Ilse Getz
Estadounidense, nacida Alemania, 1917–1992
N.Y. VII, 1972
Acrílico sobre lienzo
Aliza Nisenbaum
Estadounidense, nacida en México, 1977
15 Minutos para el comienzo, Soprano Angel Blue (MET Traviata), 2023
Óleo sobre lino
Esta pintura es Uno de los tres retratos de divas que Aliza Nisenbaum creó de las sopranos en la interpretación de La Traviata de la Ópera Metropolitana en 2023. En este proyecto, se interesó en las estrellas detrás de la glamorosa producción de ópera. Aquí, una de las intérpretes principales, Angel Blue, está de pie en su camerino junto a su partitura y piano, con todo el maquillaje y el vestuario puestos. El uso que hace Nisenbaum de oro y plata brillantes, colores pastel y patrones decorativos crea una atmósfera de cuento de hadas, enfatizando la calidad mágica de la producción escénica. Su énfasis en Blue detrás de escena subraya el trabajo creativo que a menudo pasa desapercibido en el teatro y la ópera.
George Segal
Estadounidense, 1924–2000
Chica en una silla, 1970
Yeso, madera y pintura de poliuretano, edición: 150
Editorial: Editions Alecto Ltd., Londres, Inglaterra
Rigo Peralta
Estadounidense, nacido República Dominicana, 1970
Doña Negra, 2016
Acrílico sobre lino
Este retrato de la abuela del artista le da la vuelta a la formalidad esperada del formato y le da una vibrante vida a su modelo. Analuisa Torres-Peralta era conocida cariñosamente como La Negra por su piel oscura. En esta pintura, Doña Negra—a los 94 años—fuma un cigarro Exactus Maduro, hecho en la República Dominicana, donde nacieron tanto ella como su nieto. El cigarro recuerda la larga historia del cultivo del tabaco en la República Dominicana. Sugiere el papel del país en la economía global y hace referencia al pueblo Indígena Taino que cultivaba tabaco en las islas del Caribe. El retrato también evoca recuerdos afectuosos e importantes para el artista de Allentown, quien ha dicho: “Poder fumar un cigarro dominicano con mi abuela representaba un ritual casi sagrado.”
Nelson Shanks
Estadounidense, 1937–2015
Nancy, 1974
Óleo sobre lienzo
Nelson Shanks, fundador de una escuela de arte realista en Filadelfia, es conocido por sus retratos presidenciales, incluidos Ronald Reagan y Bill Clinton, y sus retratos de mujeres influyentes, como las primeras cuatro juezas de la Corte Suprema de los Estados Unidos. Aquí Shanks le da seriedad a una representación más personal de una mujer individual.
Chris Martin
Estadounidense, nacido en 1954
Como a siete pulgadas del sol del mediodía, 2013
Óleo sobre lienzo
Lee Krasner
Estadounidense, 1908–1984
Serie primaria: Piedra azul, 1969
Serie primaria: Rosa o Piedra rosa, 1969
Serie primaria: Piedra dorada, 1969
Litografías, edición: 100
Imprenta: Mourlot Graphics, Ltd., Nueva York, NY
Editorial: Marlborough Graphics Gallery, Nueva York, NY
Obsequio de Robert Haggerty, 1979.
Audaz y delicada a la vez, la Serie primaria de Krasner explora las posibilidades tonales y texturales de trabajar con un solo color de tinta. Krasner dibujó directamente sobre las piedras utilizadas para imprimir estas litografías, recordando: “Me entusiasmé mucho con la idea a raíz de algunos accidentes que ocurrieron mientras estaba en el taller durante la impresión. Utilicé esos accidentes…”
Cuando realizó estas impresiones, Krasner comenzaba a recibir reconocimiento por sus contribuciones al arte estadounidense. Aunque durante mucho tiempo estuvo a la sombra de la reputación de su esposo, Jackson Pollock, Krasner era una artista consumada por derecho propio que utilizaba la abstracción para explorar temas espirituales y psicológicos.
Danielle Riede
Estadounidense, nacida en 1976
Amor en naranja, 2022
Óleo con yeso texturizado sobre lienzo
Riede aporta a su pintura su experiencia como bailarina de toda la vida, traduciendo el movimiento en gesto en sus lienzos abstractos. Partiendo de un movimiento intuitivo sobre el lienzo, como el arco de un brazo, registra ese mismo movimiento en la pintura. También se inspira en el movimiento de la naturaleza: la lava fluyendo, las olas del océano ondulando, los rayos del sol filtrándose.
Riede ha desarrollado una técnica especial para crear textura en obras como esta, aplicando capas de gesso hecho de carbonato de calcio, un material presente en cáscaras de huevo, piedra caliza, y tiza, que se comporta de forma similar al yeso. El resultado sugiere el movimiento de las mareas bajo la superficie.
Sam Gilliam
Estadounidense, 1933–2022
Elemento, 2008
Acrílico sobre abedul
Sam Gilliam surgió del ambiente de Washington, D.C. a mediados de la década de 1960 para convertirse en uno de los grandes innovadores de la pintura abstracta. Esta pintura es parte de un grupo de obras que Gilliam llamó “sorpresas construidas.” Hizo estas pinturas vertiendo y mezclando pintura sobre triplay de madera de abedul, luego cortando las tablas y volviendo a ensamblarlas. Este proceso está relacionado con el método de pintura revolucionario que Gilliam desarrolló a fines de la década de 1960 con sus llamadas pinturas Drape (cortina), que consistían en verter pintura sobre un lienzo sin estirar y luego colgar el lienzo como una obra de arte tridimensional.
Robert Motherwell
Estadounidense, 1915–1991
Muro con graffiti, 1950
Óleo y carboncillo sobre lino
Robert Motherwell comenzó sus pinturas con algo que él llamó dibujo automático— marcas al azar sobre el lienzo destinadas a capturar el subconsciente. Pintó Muro con grafiti cuando completaba un mural en una sinagoga en Millburn, Nueva Jersey. Aunque esta pintura es abstracta, algunos elementos sugieren referencias al Antiguo Testamento: por ejemplo, la larga pincelada blanca a la izquierda, cubierta con marcas negras horizontales, recuerda la Escalera de Jacob, que se extiende desde la tierra hasta el cielo, y la Diáspora está indicada por un garabateado dibujo lineal que sugiere los caminos errantes de las tribus dispersas.
Alteronce Gumby
Estadounidense, nacido 1985
Libertad conocida solo por ellos en susurros y cuentos, 2022
Piedras preciosas, willemita, calcita, vidrio, y acrílico sobre panel
Para esta obra, Alteronce Gumby juntó vidrio, minerales, y otros materiales poco convencionales en arreglos tipo mosaico para evocar distantes galaxias arremolinadas y nebulosas, un guiño a la fascinación de toda la vida del artista por el cosmos y sus infinitas posibilidades. Los minerales utilizados aquí— willemita verde y calcita roja—son fluorescentes y brillan cuando se exponen a los rayos ultravioleta (UV).
Al ser observables solo bajo luz ultravioleta—y de otro modo indetectables para el ojo humano—estos minerales fluorescentes también se convierten en una metáfora adecuada para la práctica más amplia de Gumby, que aborda cuestiones de visibilidad e invisibilidad, y tiene como objetivo desafiar nuestras suposiciones sobre el color invitándonos a pensar más expansivamente sobre él.
Rashaad Newsome
Estadounidense, nacido 1979
Sin título, 2008
Vídeo mudo monocanal, 8 minutos, 7 segundos
Con un fondo austero y sin adornos, un bailarín solitario—Shayne Oliver—improvisa frente a la cámara, su cuerpo un ciclo entre en quiebres, giros, y movimientos de manos propios del vogue, una forma de baile nacida en la cultura ballroom de las comunidades queer negras y latinas de Harlem. En las décadas de 1970 y 1980, la cultura ballroom queer de la ciudad de Nueva York innovó el vogue como forma de baile, creando un espacio para que las personas LGBTQ de color encontraran comunidad y cultivaran un sentido de pertenencia, seguridad, y apoyo.
Newsome, él mismo miembro y documentalista de esa escena, no se limitó a grabar la improvisación de Oliver. Lo filmó, cortó las imágenes en una nueva secuencia de gestos, y luego hizo que Oliver volviera a aprender y a interpretar esa coreografía inventada para la cámara—un proceso que el artista compara con el dibujo, donde el cuerpo del bailarín sustituye a su pluma. El resultado es menos documental que una composición construida a partir del movimiento mismo.
Blusas con mola (2019.27.57 y 62)
Extremo izquierdo:
Artista alguna vez conocida
Guna; La Guna Yala (Islas San Blas, Panamá)
Blusa con mola, década de 1970-1980
Cerca a la izquierda:
Artista alguna vez conocida
Guna; Guna Yala (Islas San Blas, Panamá)
Blusa con mola, década de 1970-1980
Algodón y poliéster, apliques, apliques inversos
Colección de Al y Eadie Shanker, 2019.
Las mujeres guna elaboran vibrantes textiles, llamados molas, que utilizan como paneles delantero y trasero de una blusa tradicional, como se aprecia aquí. Las Guna han desarrollado un estilo artístico distintivo para las molas que prioriza los colores brillantes, el patrón completo, y el corte y la costura a mano precisos.
En 1918, el gobierno de Panamá intentó poner a los Guna bajo su control y prohibió costumbres importantes como el uso de molas. Los Guna se rebelaron y mantuvieron su soberanía, y hoy las molas siguen siendo una fuente clave de identidad y orgullo en las comunidades Guna.
Richard Joseph Anuszkiewicz
Estadounidense,1930-2020
Verde amarillo convergente, 1980
Acrílico sobre lienzo
Las líneas de esta pintura parecen estar vibrando: esto se debe a que las rayas densas y el contraste de la pintura obligan a sus ojos a hacer pequeños movimientos constantes que enfocan y desenfocan diferentes áreas. Richard Anuszkiewicz fue uno de los fundadores del Op Art, un movimiento en el que los artistas creaban deliberadamente ilusiones ópticas en su obra. Muchas de sus pinturas usan colores intensos y formas anidadas para jugar con la percepción de los espectadores, creando un arte que se trata más de la experiencia de ver que de la pintura en sí.
Jesús Rafael Soto
Venezolano, 1923–2005
Múltiple II de Jai-Alai, 1969
Plexiglás, madera, metal, hilo de nailon, edición: 300
Cuando Ud. mira o camina alrededor de este múltiplo de Jai-Alai, la obra parece estar pulsando u ondulando. A Jesús Rafael Soto le fascinaba la idea del movimiento, que creía que era la próxima innovación del arte por explorar. Esta obra no solo tiene la apariencia de movimiento, sino que también anima a los espectadores a moverse por la galería para examinarla mejor. A Soto le gustaba usar la ilusión óptica con el objetivo de desviar la atención de la obra de arte en sí y dirigirla hacia conceptos como el movimiento y el tiempo.
Mary Bauermeister
Alemana, 1934-2023, activo en los Estados Unidos 1962–1972
Sin título, 1965
Piedritas de río sobre panel revestido de tela
Bauermeister pegó rocas y guijarros de río en este panel y agregó comentarios que cuestionan la relación entre el arte y la naturaleza. En la esquina superior derecha, incluso etiqueta un grupo de rocas pintadas como “arte,” llamando la atención sobre cómo esta obra desdibuja las líneas entre obra de arte y objeto encontrado. Sus notas nos invitan a entender su proceso, que se trata tanto de ideas como del producto terminado.
Louise Nevelson
Estadounidense, 1899–1987
Sombra de espejo XXIV, 1986
Madera
Louise Nevelson buscó la madera para sus esculturas en las calles y muelles de carga de la ciudad de Nueva York. Con atención al patrón, el espacio, y el equilibrio, miró más allá de las funciones cotidianas de objetos como marcos de ventanas y pasamanos para usarlos como elementos estéticos. Su habilidad para transformar tales objetos en imponentes obras de arte la convirtió en una de las escultoras más importantes del siglo XX.
Karl Stirner
Estadounidense, nacido Alemania, 1923-2016
Extremo izquierdo: Sin título, 1989
Cerca a la izquierda: Sin título, 1990
Acero
Obsequio de Nadia Tornieporth, 2025.
“El hierro forma parte del núcleo de la Tierra, y me gusta adentrarme en las entrañas de las cosas”. Karl Stirner
Karl Stirner trabajó casi exclusivamente con hierro y aleaciones de hierro como el acero para crear sus esculturas abstractas. Le interesaba la infinita maleabilidad del material y su capacidad para adoptar cualquier forma que él imaginara. Para estas dos obras, Stirner combinó metales recuperados de Bethlehem Steel, chatarrerías, y astilleros con nuevas piezas fundidas, transformando partes de maquinaria en misteriosas estructuras inspiradas en conchas, fósiles, y la ciencia natural.
Desde 1983 hasta su fallecimiento en 2016, Stirner abogó que Easton, Pensilvania, se convirtiera en un nuevo centro artístico a la altura de Nueva York y desempeñó un papel fundamental en la creación de una vibrante comunidad artística en el Valle de Lehigh.
Mildred T. Johnstone con Joseph Cantieni
Estadounidense, 1900–1988 y estadounidense, 1911–1995
Mujer en una telaraña de acero, 1954
Lana sobre lino, punto de tienda, punto recto, nudos franceses, punto de trigo, punto de contorno, variación de punto araña, punto de enrejado
Obsequio de Margaret Balzer Cantieni, 2002.
Para este bordado, Milly Johnstone se inspiró en Bethlehem Steel y transformó “la intrincada red de una pasarela sobre un alto horno” en un vibrante y caótico torbellino de piezas de maquinaria. Al igual que las esculturas de Karl Stirner a la izquierda, Johnstone se interesó por la maleabilidad del acero y plasmó su carácter transformador y su potencial creativo en sus bordados modernos.
Mujer en una telaraña de acero también se inspiró en el Rubaiyat, un libro de poesía de Omar Khayyam (persa, 1048-1131). Esta colección de poemas examinó la relación entre el hombre y lo divino, la brevedad de la vida, y la espiritualidad, temas que Johnstone exploró con frecuencia en sus textiles.
Benito Quinquela Martín
Argentino, 1890–1977
Puente en Construcción, 1970
Grabado y aguatinta
Imprenta: el artista
Obsequio de J. I. y Anna Rodale, 1970.
Riva Helfond
Estadounidense, 1910–2002
Depósito de carbón, ca. 1935–1937
Grabado y aguatinta, edición: 18
Imprenta: la artista
Editorial: Federal Art Project, Works Progress Administration, Nueva York, NY
Compra: Fondo para impresiones SOTA, 1998.
Franz Kline
Estadounidense, 1910–1962
Lehighton, 1945
Óleo sobre lienzo
Harry Bertoia
Estadounidense, nacido Italia, 1915–1978
Extremo izquierdo: Sin título, ca. 1953–1954
Cerca a la izquierda: Sin título, ca. década de
1940
Monotipo
Imprenta: el artista
Compra: Fondo para impresiones SOTA, 1992.
Harry Bertoia realizó monotipos al menos una vez por semana a lo largo de su carrera. Muchas de sus impresiones exploran ideas sobre el espacio y la forma relacionadas con sus esculturas.
Bertoia tenía que ser lento y cuidadoso al hacer sus esculturas de metal, pero podía trabajar con rapidez y espontaneidad con sus impresiones. Explicó: “Hacer uno, luego el otro, es refrescante y estimulante, y un medio puede hacer lo que el otro no pudo. Sin embargo, a veces se fusionan en una sola imagen.”
Harry Bertoia
Estadounidense, 1915–1978
Tonal, ca. 1969
Cobre y latón
Atelier 17 y el surrealismo
Cuando el Atelier 17 abrió sus puertas en París en 1927, el taller experimentó con técnicas de impresión innovadoras, así como con las tendencias modernistas emergentes. Artistas como Stanley William Hayter y Gabor Peterdi (a la derecha) adoptaron el estilo de dibujo automático del surrealismo: crear imágenes libremente desde el subconsciente directamente sobre la placa de impresión. Los grabados resultantes fusionaban lo real y lo irreal, la verdad y el absurdo, e impulsaron a los artistas del Atelier 17 a explorar la abstracción gestual.
Tras el traslado del taller a Nueva York en 1940, durante la Segunda guerra mundial, el taller se convirtió en un centro de intercambio artístico entre surrealistas europeos y los emergentes grabadores estadounidenses. Estos artistas neoyorquinos produjeron una amplia gama de imágenes surrealistas, como las que se muestran a la derecha extrema, que incluyen criaturas biomórficas de energía frenética, estudios psicológicos del ser humano, e interpretaciones cósmicas de la materia.
Arriba:
Stanley William Hayter
Británico, 1901–1988
Bisonte, 1927
Grabado, edición: 20
Imprenta: el artista, Atelier 17, París, Francia
Obsequio de Paul K. Kania, 2018.
Abajo:
Gabor Peterdi
Estadounidense, nacido Hungría, 1915–2001
Rinoceronte, 1934
Grabado, edición: 25
Imprenta: el artista, Atelier 17, París, Francia
Obsequio de Paul K. Kania, 2017.
William Baziotes
Estadounidense, 1912–1963
Criatura con cadena, 1936–1939
Acuarela y gouache
Compra: Fondo de Dotación Priscilla Payne Hurd, 2016.
Mauricio Lasansky
Estadounidense, nacido Argentina, 1914–2012
Doma, 1944
Grabado, edición: 25
Imprenta: el artista, Atelier 17, Nueva York, NY
Obsequio de Paul K. Kania, 2017.
Fred Becker
Estadounidense, 1914–2004
Organismo caleidoscópico, 1946
Aguafuerte, grabado y aguafuerte a la cera blanda, edición: 50
Imprenta: el artista, Atelier 17, Nueva York, NY
Obsequio de Paul K. Kania, 2016.
Seong Moy
Estadounidense, nacido China, 1921–2013
Cazador diurno, 1948
Huecograbado, edición: 30
Imprenta: el artista, Atelier 17, Nueva York, NY
Colección Grippe, 2009.
Elsie Driggs
Estadounidense, 1898–1992
Bueyes, 1926
Óleo sobre lienzo
Elsie Driggs a menudo se asocia con los precisionistas, un grupo de artistas estadounidenses que en la década de 1920 describieron la industrialización y la modernización que tenían lugar en un paisaje estadounidense que cambiaba rápidamente utilizando líneas precisas y formas geométricas nítidas. Aquí, sin embargo, Driggs encuentra la belleza formal en dos bueyes, deleitándose en las formas rítmicamente ondulantes de los animales y las montañas circundantes.
Daniel Garber
Estadounidense, 1880–1958
Primavera, Tohickon, 1936
Óleo sobre lienzo
Harold Weston
Estadounidense, 1894–1972
Invierno gigante, 1922
Óleo sobre lienzo
Milton Avery
Estadounidense, 1893–1965
Isla Coney, 1933
Óleo sobre lienzo
Esta pintura de Milton Avery—uno de los artistas estadounidenses más influyentes del siglo XX—representa la convergencia de dos grandes tendencias en el arte de la década de 1930: el realismo social y el modernismo. El primero es evidente en la representación de Avery de una escena ordinaria en Coney Island, una playa popular en ese momento entre los neoyorquinos de clase obrera que buscaban escapar del calor del verano. El tratamiento modernista de Avery de su tema incluye la perspectiva inclinada de la pintura, las formas planas, y los múltiples puntos de enfoque.
George Bellows
Estadounidense, 1882–1925
Amanecer de la paz, 1918
Óleo sobre lienzo
Motivado por una respuesta patriótica a las supuestas atrocidades alemanas durante la Primera Guerra Mundial, George Bellows dedicó más de ocho meses a esta pintura. Pertenece a una serie de más de cincuenta obras relacionadas que creó sobre temas de guerra. Bellows probablemente encontró inspiración para Amanecer de la paz en idealizadas ilustraciones populares de enfermeras de la Cruz Roja―las nuevas heroínas de la época.
Gifford Reynolds Beal
Estadounidense, 1879–1956
Izquierda extrema:: Escondiendo la Campana de la libertad en Allentown, Pensilvania, 1938
Óleo sobre masonita
Obsequio de la familia de Gifford Beal, 2006. Obsequio del patrimonio de Gifford Beal, 2007.
En la pintura de la izquierda extrema, Beal representa a soldados de caballería llevando la Campana de la Libertad a Allentown en septiembre de 1777. Esta campana fue una de las once evacuadas de Filadelfia ese año para evitar que los británicos la fundieran para convertirlas en munición. Beal imaginó un momento dramático, donde lugareños y soldados se esforzaron por levantar la pesada de la carreta. La esconderían en el sótano de la Iglesia Reformada de Sión en la calle Hamilton.
Beal pintó esta escena como estudio para uno de los diez murales de la Oficina de Correos de Allentown. Estos murales, que ilustran la historia local, fueron comisionados por la Administración de Progreso de Obras, una agencia federal que inició proyectos cívicos durante la Gran Depresión para generar empleo.
Andrew Newell Wyeth
Estadounidense, 1917–2009
En el campo, 1936
Acuarela
Obsequio de Kate Fowler Merle Smith, 1978.
James Henry Daugherty
Estadounidense, 1889–1974
Huida a Egipto, ca. 1920
Óleo sobre lienzo
James Daugherty creía que a través de la abstracción podía comunicar sentimientos espirituales. En este cuadro interpretó la historia cristiana de la Huida a Egipto, cuando la Sagrada Familia escapó para salvar la vida de su Hijo, el niño Jesús. A través del prisma de las pinceladas de Daugherty, busque la figura central de la Virgen María con un manto azul. Ella monta un burro gris, visible en la mitad inferior de la pintura.
Arthur Dove
Estadounidense, 1880–1946
Octubre, 1935
Óleo sobre lienzo
Museo Kemper de arte contemporáneo, Obsequio del Fondo benéfico R. C. Kemper, 1996.16.01.
En Octubre, Dove utiliza formas abstractas para sugerir una pequeña casa blanca sobre un glorioso fondo de follaje otoñal. Sus audaces paisajes a menudo se inspiraban en ciclos naturales, como los patrones climáticos y las estaciones.
Dove también estaba interesado en representar la música a través de las artes visuales (al igual que su colega Joseph Stella, cuya obra se muestra a la derecha). ¿Qué tipo de música evoca en Ud. esta pintura?
Joseph Stella
Estadounidense, nacido Italia, 1877–1946
Danza de primavera (Canto de los pájaros), 1924
Óleo sobre lienzo
Museo Kemper de arte contemporáneo, Obsequio de la Fundación Enid y Crosby Kemper, 2003.03.01.
Las maravillosas representaciones de la naturaleza de Joseph Stella se inspiraron en sus recuerdos de infancia en la Italia rural. Stella emigró a Nueva York a los dieciocho años y, en un principio, se centró en retratar el paisaje urbano moderno. Sin embargo, en sus cuarentas, comenzó a explorar el mundo natural en pinturas como ésta, que basó en “el lirismo elíseo de la primavera italiana”. Observe los gorriones en primer plano, el ave nacional de Italia y una de las favoritas de Stella.
Compañía de fabricación Whiting
Nueva York, NY, 1866–1924
Azucarero, cafetera, lechera, ca. 1880
Plata esterlina, cobre, y marfil
Los arreglos asimétricos de flores e insectos en este servicio de café, así como el uso de metales mixtos (como en el jarrón japonés que se muestra aquí), demuestran la influencia del arte japonés en los diseñadores de plata estadounidenses en las décadas de 1870 y 1880.
Empresa Nogawa
Japonés, 1825 a fecha desconocida
Jarrón con motivo de rama de árbol, período Meiji (1868–1912)
Incrustaciones de metal mixto
Arthur Bowen Davies
Estadounidense, 1862–1928
Entretejido, 1916
Óleo sobre lienzo
Museo Kemper de arte contemporáneo, Obsequio del Fondo benéfico William T. Kemper, UMB Bank, n.d., Administrador, 1995.017.01.
Louis Comfort Tiffany
Estadounidense, 1848–1933
Tiffany & Company, fabricante
Nueva York, NY, 1837–presente
Albert A. Southwick, diseñador
Jarrón de presentación con tapa, ca. 1915
Plata esterlina con decoración de esmalte de porcelana de Limoges
Louis Comfort Tiffany fue hijo de Charles Lewis Tiffany, el famoso joyero y fundador de Tiffany & Company. Comenzó su carrera como pintor, convirtiéndose en el diseñador jefe de la firma tras la muerte de su padre en 1902. Este jarrón reproduce, en esmalte, dos cuadros de Louis Comfort Tiffany que representan a las diosas romanas Flora y Ceres, y sus séquitos. El esmalte se aplicó en una capa fina, lo que permitió que se viera el boceto grabado.
Tiffany & Company había participado en todas las ferias mundiales desde la Exposición de París de 1855 y, por lo tanto, se ganó una reputación internacional. Esta urna fue creada como pieza de demostración para la Exposición Panamá-Pacífico de San Francisco. Muestra la calidad y la suntuosidad de los productos de Tiffany para persuadir a los clientes a realizar pedidos. En 1922, fue presentada a Charles M. Schwab, presidente de Bethlehem Steel, con motivo de su sexagésimo cumpleaños.
Frank Lloyd Wright
Estadounidense, 1867–1959
Silla lateral, ca. 1903
Roble y cuero
Frank Lloyd Wright diseñó esta silla para una casa que construyó para la familia Little en Peoria, Illinois. Cuando los Little se mudaron a Minnesota e hicieron que Wright les diseñara otra casa, trajeron algunos de los muebles con ellos. Esta silla puede, de hecho, haber sido utilizada en la biblioteca que ve a través de esta ventana, que es de la casa de los Little en Minnesota.
A diferencia de otros diseñadores progresistas de su época, Wright se inspiró en la producción mecánica. En esta silla rectilínea, hace un uso evidente de tableros lisos producidos a máquina. La simplicidad de su diseño resalta las hermosas formas de punta de flecha en la veta de la madera, que se pueden ver en el respaldo de la silla.
Atribuido a Allen y Brother
Filadelfia, PA, activo en 1835–1896
Escritorio del movimiento Estético, ca. 1875–1880
Cerezo americano, arce, y nogal; tejas de pizarra doradas y pintadas
Este escritorio logra un aspecto “artístico” al evocar la laca japonesa—con una pequeña talla de inspiración gótica agregada por si acaso. Para imitar el pulido oscuro de la laca, el fabricante trató la madera del escritorio con acetato de hierro: esto creó una reacción química llamada ebonización que tiñó la madera de negro. Los paneles dorados del escritorio con escenas de la naturaleza hacen eco de las superficies decoradas de laca.
Los miembros del movimiento Estético valoraban los muebles bonitos porque creían que una casa atractiva mejoraría la vida cotidiana.
Artista conocido anteriormente
Estadounidense o Europea
Silla lateral, ca. 1880
Caoba con marquetería de nácar, metal, y madera (madera secundaria fresno)
Artista alguna vez conocida
Estadounidense
Vestido, década de 1920
Algodón con encaje y bordado calado
Obsequio de la Colección Ellie Laubner, 2009.
Con una serie de triángulos de encaje, este vestido destaca por su radical sencillez. Su decoración geométrica evoca las tendencias del mundo del arte: para la década de 1920, los artistas estadounidenses utilizaban el cubismo y la abstracción para expresar el entusiasmo de la vida moderna. Vestidos como este ofrecían una muestra de estos movimientos vanguardistas para el día a día. De corte holgado y sin volantes, este vestido habría sido ideal para una mujer que acogía las nuevas libertades de la década de 1920.
Artista alguna vez conocida
Chal, ca. Décadas de 1920 a 1940
Seda
Transferido del Museo americano de historia textil, Obsequio de Harriet Werner, 2017.
Edward Weston
Estadounidense, 1886–1958
Mi lámpara de escritorio, 1927
Ruth Shaw, 1922
Impresiones en gelatina de plata
Obsequio de Audrey y Bernard Berman, 1983.
Con estos estudios de una lámpara de escritorio y el cabello corto de una amiga, Weston nos invita a reflexionar sobre la forma y la geometría en el mundo que nos rodea. Al igual que su colega Edward Steichen (derecha), Weston estaba fascinado por la capacidad de la cámara para mostrar objetos cotidianos desde una perspectiva novedosa.
Edward Steichen
Estadounidense, 1879–1973
Tela para vestido de Botones e hilos de la
serie Impresiones americanas, 1927
Crepé de seda estampado
Obsequio de Kate Fowler Merle Smith, 1978.
Para crear este inesperado diseño textil, Steichen dispuso botones e hilos sobre una mesa y los fotografió con luz rasante. Esta iluminación dramática causo que los botones proyectaran grandes sombras, de modo que a primera vista parecen flotar sobre la tela.
Este efecto dinámico era precisamente lo que el fabricante Stehli Silks buscaba al encargar a artistas como Steichen el diseño de sus textiles. Alejándose significativamente de las telas florales convencionales para vestidos, los estampados de Steichen representaban eran “una auténtica expresión del espíritu del arte moderno”.
Emil Lukas
Estadounidense, nacido 1964
Expansor, 2020
Hilo sobre marco de aluminio y madera con yeso, pintura, y clavos
Es posible que haya notado la “pintura de hilo” de Emil Lukas Expansor parece cambiar a medida que Ud. se acerca. Usando materiales simples para crear una pieza compleja, el artista envolvió hilos de varios colores de manera minuciosa alrededor de un marco, produciendo una profundidad y un aura ilusorios que engañan a la vista. Lukas, basado en Stockertown, Pensilvania, trabaja con improvisación, pero con intención. Cada decisión— la colocación de un solo hilo una fracción de pulgada de una forma u otra, el color de ese hilo, y las capas— contribuye al efecto general en la percepción del espectador.
Joan Snyder
Estadounidense, nacida 1940
Teatro Luna, 1986
Óleo, acrílico, y lino sobre lienzo
Teatro luna presenta no una luna sino una abundancia de veintiséis. Éstas están dispersas alrededor de una forma estilizada de árbol/crucifijo, un motivo recurrente en la obra de Snyder que simboliza la vida y la muerte. Las pinturas emocionales de Snyder desafiaron la naturaleza impersonal de los movimientos artísticos dirigidos por hombres como el minimalismo, y la convirtieron en una artista feminista influyente. Ella explicó: “Hacer arte es, para mí, practicar una religión. … Mi obra es mi orgullo, crea para mí un patrimonio. Es un lugar para luchar libremente en mi altar.”
Kay WalkingStick
Cherokee, nacida 1935
Culpa a las montañas III, 1998
Óleo y hoja de latón sobre lienzo (panel izquierdo); óleo sobre lienzo (panel derecho)
En esta pintura, las sensuales curvas de la figura femenina complementan las escabrosas montañas. La serie Culpa a las montañas de Kay WalkingStick se inspiró en el final de una relación romántica durante un viaje a los Dolomitas, una cadena montañosa del norte de Italia.
Un componente importante de la identidad de WalkingStick, basada en Easton, es su herencia cherokee y escocesa-irlandesa. Le gusta crear dípticos—obras de arte con paneles separados que se unen—que, según ella, son “particularmente atractivos para aquellos de nosotros que somos birraciales.”