1 Artista alguna vez conocida
Estadounidense
Cesta de costura, 1874
Junco, lana bordada sobre papel perforado, forro de algodón, lazos de seda
Obsequio de Pamela Miller Ness y Paul Marc Ness en memoria del Profesor y la Sra.
Edwin Haviland Miller, 2003
2 Artista alguna vez conocida
Estadounidense
Estuche para dedales, principios del siglo XX
Hierba dulce
Obsequio de la Sra. William P. Hacker, 1997.
3 Artista alguna vez conocida
Wabanaki (Bosques del este)
Cesta, finales del siglo XIX
Hierba dulce, astilla de fresno
Obsequio de Pamela Miller Ness y Paul Marc Ness en memoria del Profesor y la Sra.
Edwin Haviland Miller, 2003
4 Artista alguna vez conocida
Wabanaki (Bosques del este)
Cesta con alfiletero, finales del siglo XIX
Hierba dulce trenzada, astilla de fresno, terciopelo, lazos de seda
Obsequio de Pamela Miller Ness y Paul Marc Ness en memoria del Profesor y la Sra.
Edwin Haviland Miller, 2003
5 Artista alguna vez conocida
Shakers de Canterbury, Nuevo Hampshire
Cesta de costura con estuche para agujas, finales del siglo XIX o principios del XX
Tela de álamo, forro de satén, lazos de seda
Obsequio de Pamela Miller Ness y Paul Marc Ness en memoria del Profesor y la Sra. Edwin Haviland Miller 2003
6 Artista alguna vez conocida
Alfred Shaker Village, Maine
Cesta, finales del siglo XIX o principios del XX
Tela de álamo, forro de seda, lazos de seda
Obsequio de Pamela Miller Ness y Paul Marc Ness en memoria del Profesor y la Sra.
Edwin Haviland Miller, 2003.
7 Artista alguna vez conocida
Sabbathday Lake Shaker, Maine
Cesta de costura con alfiletero, estuche para agujas, cera, y sacapuntas,
finales del siglo XIX o principios del XX
Tela de álamo, forro de satén, piel de cabrito, lazos de satén
Obsequio de Pamela Miller Ness y Paul Marc Ness en memoria del Profesor y la Sra. Edwin Haviland Miller, 2003
Las cestas tejidas que se muestran aquí ofrecen una visión de las tradiciones de cestería contemporáneas en el noreste de Estados Unidos durante los siglos XIX y principios del XX. Esta selección, que representa a artistas euroamericanas y de la Nación Wabanaki, ilustra las diferencias y similitudes en las cestas tejidas de distintas culturas.
Las cestas Wabanaki (3 y 4) transformaron materiales y diseños tradicionales (hierba dulce y astillas de fresno) para crear productos comerciales destinados a un mercado en auge. Utilizando tintes verde oliva y marrón para adaptarse a los gustos victorianos predominantes, estos innovadores artistas adaptaron sus combinaciones de colores para comercializar mejor sus cestas entre el público euroamericano.
Los Shakers– una comunidad religiosa del noreste de Estados Unidos– también elaboraban cestas tejidas (5, 6 y 7) como fuente vital de ingresos para su comunidad. Impulsadas por el auge del turismo en la región y la creciente amenaza de la industrialización a mediados del siglo XIX, las Hermanas Shakers producían artículos domésticos artesanales utilizando principalmente tela de álamo, seda, cuero, y lana.
Estadounidense
Placa de estufa: publicano y fariseo, 1742
Hierro fundido
Hecho en Pensilvania
Inscripción: “El fariseo orgulloso se glorifica en la oración, pero el corazón del publicano
humilde agrada mucho más a Dios. Lucas Capítulo 18, 1742”
En la parábola cristiana del fariseo y el publicano, Jesús enseña la humildad al reconocer
al ardiente publicano, un recaudador de impuestos judío de los antiguos romanos,
sobre el fariseo santurrón, miembro de una antigua secta judía que creía que su
forma de observancia religiosa era superior. El diseñador de esta placa de estufa
basó su diseño en una ilustración de una biblia alemana popular (abajo).
Esta obra refleja no solo el traslado de tradiciones alemanas a Pensilvania, sino
que también hace recordar el papel de las fundiciones de hierro como esclavizadoras.
Las personas esclavizadas, algunas de las cuales podían haber tenido experiencia en
las técnicas de metalurgia de África Occidental, a menudo realizaban trabajos calificados en
las fundiciones del Atlántico medio.
Ilustración de la Biblia de Lutero (publicada en 14 ediciones, 1640–1758).
Ilustrada en Henry Mercer, The Bible in Iron
(Doylestown: Bucks County Historical Society, 1961), 191.
Artista conocido anteriormente
Chino
Taza y plato, ca. 1805
Porcelana con capa de esmalte negro y dorado
Hecho en Jingdezhen, China, para exportar al mercado estadounidense
Artista en algún momento conocido
Inglés
Plato, 1835–55
Cerámica (spatterware)
Fabricado en Staffordshire, Inglaterra para exportar al mercado alemán de Pensilvania
Estadounidense
Molde de mantequilla, años 1800
Álamo
Hecho en Pensilvania
Estadounidense
Plato, años 1800
Redware
Hecho en Pensilvania
Estadounidense
Jarra, años 1800
Cerámica
James Claypoole Jr.
Estadounidense, ca. 1743–1822
Robert Shewell, 1765
Sarah Sallows Shewell, 1765
Óleo sobre lienzo
Hecho en Filadelfia, PA
Eunice Birchard
Estadounidense, ca. 1785–1859
Muestrario: “Dios salve a América”, 1798
Tejido liso de lino con bordado de punto de cruz de seda
Probablemente confeccionado en Norwich, Connecticut
Obsequio de la Sra. William P. Hacker, 1979.
Inscripciones: Dios salve a América; Cuando veas esto, piensa en mí
Si bien los muestrarios a veces incluyen textos moralizantes o religiosos,
el de Eunice Birchard proclama con audacia: “Dios salve a América”.
Durante la Revolución, los colonos estadounidenses se apropiaron del
himno británico “Dios salve al rey”, transformando esta declaración de
lealtad en un llamado a la independencia. Cuando Eunice, de trece años,
bordó su muestrario dos décadas después, “Dios salve a América” seguía
siendo una canción popular, pero un texto inesperado para un bordado escolar.
Eunice (o su maestra) pudo haberse inspirado en muestrarios más antiguos
de su comunidad: un muestrario de 1776 de Norwich, Connecticut, también presenta
este sentimiento patriótico.
H. H.
Mantel, 1800-1830
Algodón con bordado de punto de satén, nudo francés, bullion, ojal, punto de pluma, y pespunte
Obsequio de la Colección de Rosalind y Edwin Miller, 2000.
Artista alguna vez conocida
Francesa
Tela para tapicería, ca. 1830
Tela de algodón estampada, tejido liso, satinada
Fabricada en Mulhouse, Francia, para el mercado estadounidense
Obsequio de Kate Fowler Merle Smith, 1978.
Este textil conmemora a los primeros siete presidentes de los Estados Unidos, con especial atención al presidente en funciones, Andrew Jackson. Celebrado como héroe de la Guerra angloestadounidense, Jackson aparece representado con uniforme militar, junto al buque de guerra USS Constitution, otro veterano del conflicto.
Impresa en Francia con rodillos de cobre grabados, esta tela de finos detalles habría sido un artículo de lujo para los consumidores estadounidenses. Sin embargo, tuvo publico deseoso– sobrevive en fragmentos como el nuestro, así como en colchas, y fue tan popular que se produjo en varios colores, incluyendo rojo, azul, y verde.
Estadounidense
Aparador, ca. 1795
Chapa de caoba con incrustaciones de madera satinada
Hecho en Filadelfia, PA
Artista conocido anteriormente
Chino
Urnas, ca. 1790
Porcelana con decoración vidriada de esmalte
Hecho en China para exportar al mercado occidental
La forma única y la delicada decoración de estas urnas ilustran la habilidad de los artistas chinos en la producción de porcelana para el público occidental. Usando grabados y modelos de madera pintados proporcionados por comerciantes europeos, los artistas chinos crearon productos de exportación que se adaptaban a la moda actual al otro lado del mundo. En estas urnas, detalles como adornos florales y bases de imitación de madera satisfacen el gusto por los diseños inspirados en la antigua Grecia y Roma.
Estados Unidos se convirtió en un importante importador de porcelana china poco después de la independencia.
Rembrandt Peale
Estadounidense, 1778–1860
Erinna, ca. años 1830
Óleo sobre lienzo
Hecho en Filadelfia, PA
Gilbert Stuart
Estadounidense, 1755–1828
Ann Penn Allen, ca. 1795
Óleo sobre lienzo
Hecho en Filadelfia, PA
Benjamin West
Estadounidense, 1738–1820, activo en Gran Bretaña
El regreso del hijo pródigo, 1772
Óleo sobre lienzo
Hecho en Londres
La luz dramática y las poses expresivas de padre e hijo en esta obra de Benjamin West contrastan con la pintura de Haidt a la derecha. West de hecho tomó lecciones de Haidt cuando era adolescente, y su obra anterior se parecía al estilo de Haidt. Sin embargo, después de estudiar en Italia, dominó el realismo y la sutileza de la pintura académica y se instaló en Londres, donde obtuvo un gran éxito.
Una generación de artistas estadounidenses viajaría a Londres para formarse con West—incluidos Gilbert Stuart y Rembrandt Peale, cuyas obras se muestran a la izquierda.
John Valentine Haidt
Estadounidense, nacido Alemania, 1700–1780
Erstlingsbild (“Primeros frutos”), ca. 1754–1760
Óleo sobre lienzo
Hecho en Bethlehem, PA
Estadounidense
Veleta: Caballo de Trote, mediados a finales del siglo XIX
Cobre martillado, lavado de estaño, y pan de oro
Probablemente hecha en Boston, MA
Esta veleta no presenta a un caballo cualquiera, sino a un campeón de carreras de arnés. En la segunda mitad del siglo XIX, caballos de carreras de arnés como Smuggler, Goldsmith Maid, e Ethan Allen atrajeron a miles de espectadores y fueron homenajeados en grabados económicos que solían usarse como decoración del hogar (como la que se muestra abajo).
Los fabricantes de veletas pronto capitalizaron esta tendencia, descubriendo que estas estrellas del hipódromo también eran éxitos de ventas. Por ejemplo, Harris & Co.—posiblemente el fabricante de esta veleta—ofreció nueve diseños que representaban caballos de carreras de arnés famosos en su catálogo de 1879, muchos disponibles en varios tamaños.
Currier & Ives, El semental campeón de carreras de arnés Smuggler, 1875, litografía coloreada a mano.
H.R.Mallinson & Company, Inc.
Fabricante textil estadounidense, 1915–1937
Tela para vestido con diseño de Arco y flecha de la Serie Indígena americana, 1937
Seda estampada
Obsequio de Kate Fowler Merle Smith, 1978.
En las décadas de 1920 y 1930, H. R. Mallinson & Company produjo varias líneas de telas para vestidos inspiradas en la iconografía nativa americana y colonial, impulsadas por el interés de los consumidores en estos temas. Aquí, los diseñadores combinaron motivos asociados con las culturas de las Grandes Llanuras con colores vibrantes y un diseño moderno y uniforme. Fabricados por una empresa textil angloamericana, los diseños de esta serie ofrecieron una interpretación de la identidad indígena construida a partir de los estereotipos predominantes sobre estas culturas.
Esta tela para vestidos era el tipo de representación generalizada de la identidad apsáalooke que Wendy Red Star, a la derecha, cuestiona en su serie fotográfica contemporánea.
Wendy Red Star
Apsáalooke, nacida 1981
Primavera de la serie Las cuatro estaciones, 2006
Impresión de pigmento de archivo
Compra: Fondo de dotación Priscilla Payne Hurd, 2019.
“La gente a menudo me pregunta por qué elijo el humor para temas delicados, como la representación de los nativos en la cultura popular. El humor sana, sanar es poder, y el poder supera los obstáculos.”
—Wendy Red Star
Al posar con su atuendo tradicional de Apsáalooke (Cuervo) en un ambiente “natural” falso, la artista Wendy Red Star evoca espacios en los que los nativos americanos han estado sujetos a representaciones unidimensionales—como dioramas de museos de historia natural o escenarios de Hollywood. Red Star hábilmente socava la suposición de que los nativos americanos comparten una conexión especial con la naturaleza y nos pide que consideremos cómo los estereotipos dan forma a la percepción de los pueblos indígenas en la actualidad.
John Singer Sargent
Estadounidense, 1856–1925, activo en Europa
Cabeza de mujer joven,
Ca.1878–1880
Óleo sobre lienzo
Henry Ossawa Tanner
Estadounidense, 1859–1937, activo en Francia
León lamiendo pata, 1886
Óleo sobre lienzo
Hecho en Filadelfia, PA
Henry Ossawa Tanner pintó este león de la vida en el Zoológico de Filadelfia. Se estaba preparando para hacer una obra más grande que representara a Androcles, un romano anteriormente esclavizado que se detuvo para quitarle una espina de la garra a un león mientras huía de sus esclavizadores.
Tanner a menudo exploró historias de opresión y libertad en su obra. Como hijo de una mujer que se liberó de la esclavitud, y como expatriado que se fue de los Estados Unidos para mitigar el impacto del racismo en su carrera, probablemente encontró un significado particular en estos temas.
Susan MacDowell Eakins
Estadounidense, 1852–1938
Kate Lewis, 1884
Óleo sobre lienzo
Hecho en Filadelfia, PA
Thomas Pollock Anshutz
Estadounidense, 1851–1912
El quehacer, ca. 1888
Óleo sobre tabla de madera
Hecho en Filadelfia, PA
¿Qué habrá pensado la mujer que posó para este cuadro sobre la obra terminada? El artista Thomas Anshutz—que era blanco—la contrató para modelar porque quería pintar a una sirvienta Negra, y eligió los accesorios de estudio, su pose, y el pañuelo que usa.
Probablemente ella o alguien cercana a ella tenía experiencia trabajando como sirvienta: un estudio de 1899 de W.E.B. DuBois e Isabel Eaton encontró que el 90% de las mujeres negras empleadas en Filadelfia en ese momento estaban en el servicio doméstico. Tal vez esta mujer prefería ser modelo a su trabajo habitual—o tal vez era más agotador trabajar con Anshutz.
Severin Roesen
Alemán, ca. 1815–ca. 1872, activo en los Estados Unidos
Naturaleza muerta con copa de vino y sandía, ca. 1860
Óleo sobre lienzo
George Cope
Estadounidense, 1855–1929
Naturaleza muerta del Sr. Darlington, 1890
Óleo sobre lienzo
Hecho en West Chester, PA
John George Brown
Estadounidense, nacido Inglaterra, 1831-1913
Malabarista, 1882
Óleo sobre lienzo
Compra: Fondo fiduciario Leigh Schadt y Edwin Schadt del Museo de arte, 2013.
Henry Mosler
Estadounidense, 1841–1920
Invocando la bendición de Dios (Gracia del peregrino), 1897
Óleo sobre lienzo
En su humilde hogar, esta familia de la época de los Padres Peregrinos encarna la fe, la moralidad y la sencillez—valores que algunos estadounidenses temían que estuvieran desapareciendo a fines del siglo XIX. Artistas como Henry Mosler representaban el pasado para ofrecer inspiración y tranquilidad a aquellos que se preocupaban que la urbanización y la inmigración transformaran los Estados Unidos.
Dichos artistas generalmente estaban más preocupados por celebrar la identidad estadounidense que por la precisión histórica. Busque anacronismos divertidos en esta pintura, como los lazos muy victorianos y la porcelana china pintada (rara en Norteamérica hasta aproximadamente un siglo después de la época de los Padres Peregrinos).
R. C. D.
Estadounidense
Muestrario, 1876
Bordado de lana y seda con punto de tienda sobre lienzo
Obsequio del Sr. y la Sra. Arnold Kaplan, 2009.
Mientras que las generaciones anteriores priorizaban el orden y el refinamiento en sus labores de aguja, en la década de 1870 las mujeres adoptaron una estética de “más es más”. La creadora de este muestrario, R. C. D., incluyó una variedad de imágenes, desde dodos hasta globos aerostáticos. También bordó las fechas 1876 y 1776, en conmemoración del Centenario de la nación. Es probable que R. C. D. recopilara los patrones para este proyecto de revistas, que a menudo publicaban diagramas para pequeños motivos de punto de aguja.
motifs.
M.A. E.
Colcha loca, 1888
Confeccionada en seda con bordados de seda, chenilla y cinta
Transferida del Museo americano de historia textil, Obsequio de Nancy Brigham, 2017.
Al igual que el muestrario de la izquierda, esta colcha refleja un interés por coleccionar y combinar una amplia variedad de materiales. Su creadora, M.A.E., realzó su eclecticismo añadiendo bordados de diversas texturas, utilizando hilo de seda brillante, cinta de grosgrain acanalada, e hilo de chenilla suave.
Estas colchas, hechas de piezas irregulares y llamadas colchas locas, podían funcionar como una especie de álbum de recortes de textiles personales y encontrados. M.A.E. bordó “1790” en una tira de seda a cuadros rojos y azules, cerca del cuadrado central; quizás—esta pieza provenía de una prenda heredada de su familia.
Mary Hollingsworth Carson
Estadounidense, 1813-1868
Funda de almohada, ca. Décadas de 1850-1860
Tejido liso de lino con lana y seda, bordado de punto de tienda, abalorios de latón y azabache, y cordón de lino forrado de seda
Obsequio de la Sra. William P. Hacker, 1982.
Winslow Homer
Estadounidense, 1836-1910
La Guerra por la Unión, 1862 – Un ataque de bayoneta de Harper’s Weekly, 12 de julio de 1862
Grabado en madera
Imprenta y editorial: Harper & Brothers, Nueva York, NY
Compra: Fondo para impresiones SOTA, 2006.
Tompkins Harrison Matteson
Estadounidense, 1813–1884
El regreso de Rip Van Winkle, o, El regreso de las montañas
de Rip Van Winkle, ca. 1840–1845
Óleo sobre lienzo
Artista en algún momento conocido
Inglés
Tela para tapicería, ca. 1825–1835
Algodón glaseado estampado con rodillos y bloques
Thomas Birch
Estadounidense, 1779–1851
Grandes cataratas del Rio Lehigh en Stoddartsville, Pensilvania, fines de los años 1820–1830
Óleo sobre lienzo
Artista conocido anteriormente
Estadounidense
Ciervo, años 1800
Óleo en tapa de barril
Hecho en Pensilvania
Inscripción: “Hermoso ciervo, no corras con tanto orgullo, el cazador está detrás del bosque”
Artista conocido anteriormente
Estadounidense
Niña en vestido rojo, principios de años 1800
Óleo sobre Masonite, transferido de panel
William Seal
Estadounidense, activo 1810-1822
Cafetera, Jarrita para leche, Tetera, Azucarero, Recipiente para residuos, Pinzas, ca. 1817
Plata
Hechos en Filadelfia, PA
Tokie Rome-Taylor
Estadounidense, nacida 1977
Casta o semilla azul variegado de la serie Arraigado en semillas de la memoria, 2024
Cianotipo sobre satén de algodón, muselina, e hilo
Colección de arte afroamericano de la Fundación familia Petrucci
En esta fotografía, una niña contempla sus manos ahuecadas, donde crece una planta. Esta obra pertenece a una serie de Tokie Rome-Taylor que rinde homenaje al conocimiento botánico que los africanos esclavizados trajeron consigo a América. Dicho conocimiento contribuyó a la supervivencia de las personas esclavizadas, permitiéndoles cultivar o recolectar sus propios alimentos y atender sus necesidades medicinales y espirituales.
Rome-Taylor describe su arte como “plántulas fotográficas”, que “[cultivan] un nuevo folclore” para contrarrestar la frecuente negación histórica de la agencia de las personas negras.
Tokie Rome-Taylor
Estadounidense, nacida 1977
Nuestro valor > Algodón y oro, 2020
Impresión de pigmento de archivo, ed. 10
Colección de arte afroamericano de la Fundación familia Petrucci
Artista conocido anteriormente
Británico o francés
Cimarrónes o quilombolas huyendo de la esclavitud,
Ca.años1820
Óleo sobre lienzo
Esta pintura representa a una familia esclavizada que busca la libertad. Según la topografía y el entorno tropical, es probable que sean cimarrónes o quilombolas—personas que se liberaron de la esclavitud y establecieron comunidades libres en el Caribe español y Brasil. Las cañas de azúcar en el suelo y en la mano del hombre sugieren que se vio obligado a trabajar para producir azúcar, un producto de demanda en todo el mundo.
Explícita en su detalle de las correas del hombre y la angustia de la mujer y el hijo mayor, la imagen probablemente tenía la intención de inspirar simpatía en apoyo de la causa abolicionista para acabar con la esclavitud. El gorro rojo del hombre es un símbolo de libertad, usado en la época romana por personas anteriormente esclavizadas que habían obtenido su libertad.
Esta composición hace eco de escenas cristianas del Descanso en la Huida a Egipto, en las que la Sagrada Familia se detuvo durante su huida para salvar la vida del niño Jesús. Mientras la familia en la pintura aquí enfrenta la amenaza de ser recapturada, el niño pequeño en el centro parece ofrecer un poco de esperanza.