Xenobia Bailey
Estadounidense, nacida en 1955
Sistah Paradise y las Egungun de la serie Paraíso en Reconstrucción en la Estética del Funk – Fase II, 1999
Tapiz de crochet, acrílico, e hilo de algodón, alambre, cuentas
La escultura de crochet de Xenobia Bailey reúne a dos sanadoras africanas—Sistah Paradise (de Senegal) y las Egungun (de los Yoruba de África Occidental) —para presentar una narrativa de resistencia y renovación.
La forma femenina de esta escultura se basa en Sistah Paradise, una mística ficticia que usó sus habilidades mágicas para liberar a los africanos esclavizados. Hilaba hilo místico de algodón de las plantaciones y tejía una elaborada tienda de crochet, donde las personas esclavizadas podían beber de su juego de té y ser transportadas de regreso a África. Bailey también incluye colores brillantes, patrones mixtos, y círculos concéntricos para hacer referencia a las Egungun, espíritus ancestrales que se manifiestan a través de la ropa y que otorgan bendiciones y protección a su linaje durante los festivales anuales de las comunidades Yoruba.
Bailey considera sus esculturas herramientas de meditación para abordar el trauma generacional derivado de la esclavitud y las políticas de asimilación forzada posteriores a la Guerra civil estadounidense. Bailey hace referencia a este período represivo, conocido como la Reconstrucción (1863–1877), en el título de su serie Paraíso en Reconstrucción en la Estética del Funk, que subvierte las historias de opresión y ofrece al espectador un refugio seguro para explorar su identidad africana.
Nitza Tufiño
Estadounidense, nacida México, 1949
Pareja Taína, 1972
Acrílico, carboncillo, y poliuretano sobre masonita
El Museo del Barrio, Compra del Museo gracias al apoyo de George Aguirre, el Fondo nacional para las artes, Boricua College, la Fundación Reader’s Digest y contribuciones individuales.
Nitza Tufiño se inspiró en los grabados rupestres de los taínos, un pueblo indígena del Caribe, para los rasgos estilizados de esta pareja. El hombre luce un coquí verde, o rana, en el pecho, y su rostro evoca las representaciones taínas del dios del sol. El rostro de la mujer se inspira en el mismo vocabulario de diseño, pero se asemeja a una máscara de gas, quizás en alusión a la guerra de Vietnam.
Al igual que otros artistas de ascendencia puertorriqueña en la ciudad de Nueva York durante la década de 1970, Tufiño utilizó la imaginería taína para celebrar y empoderar a su comunidad. Se convirtió en una de las artistas líderes del Movimiento Nuyorican, un grupo que incluía poetas, músicos, y artistas que creaban obras sobre la experiencia puertorriqueña en Nueva York.
Glendalys Medina
Estadounidense, nacida 1979
Atabey, 2022-2023
Madera contrachapada, uñas, hilo, pintura de pizarra, tinta, pintura al óleo, y alambre
El Museo del Barrio, Cortesía de la Artista
“Los indígenas fueron los primeros artistas del grafiti.” – Glendalys Medina
El Atabey de Medina se inspira en los grabados rupestres de los taínos, un pueblo indígena que vivió en todo el Caribe. De esta manera, Medina sigue los pasos de una generación anterior de artistas nuyorican—como los creadores de las obras vecinas— que usaron la imaginería taína para ofrecer a los puertorriqueños de la diáspora un sentido de identidad y orgullo.
Medina crea una rica gama de alusiones con esta obra. Las redes de cuerdas y alambres sugieren los altavoces de un radiocasete, evocando la cultura hip-hop con la que la artista creció en el Bronx. Las uñas evocan figuras poderosas de África Central, mientras que el color dorado alude al deseo de los colonizadores españoles por el metal precioso, así como a sus descripciones de la tez taína “tocada por el sol”.
Wanda Maria Quiñones
Estadounidense
Sin título (Símbolos taínos), 1977
Batik de lino
El Museo del Barrio
Este textil se inspira en los petroglifos, o grabados rupestres, de los taínos, un pueblo indígena del Caribe. ¿Observa algún símbolo en este textil que también aparezca en las obras de la izquierda?
Ángel Suárez-Rosado
Estadounidense, nacido 1957
Cerca blanca, 2003
Objetos encontrados, madera, pintura
(2021.7a, b)
Nacido en Puerto Rico, con base en Easton, Angel Suarez-Rosado juega con las expectativas en su instalación Cerca blanca. Al acercarnos, vemos una cerca blanca que sugiere un ideal doméstico estadounidense sin complicaciones. Al pasar, nos encontramos con híbridos símbolos de violencia, dolor, y de gran poder espiritual.
Suarez-Rosado es practicante de la santería, una religión afrocubana que fusiona elementos de la fe yoruba de África Occidental con el catolicismo, y fue un medio para que los africanos esclavizados mantuvieran su identidad en las Américas. En su uso de objetos metálicos afilados, clavos, y herramientas, Cerca blanca reconoce a Ogún, el dios del hierro y la guerra en el panteón de las deidades yorubas. Los clavos martillados en la superficie de la cerca recuerdan a los nkisi, figuras de poder de África central cuyas figuras fueron el resultado tanto de creación por un escultor, como de uso por un sacerdote que usaba la figura para curar enfermedades, resolver disputas y castigar a los malhechores.
Artista conocido anteriormente como
Javanese (Indonesio).
Sarong, ca. 1928.
Batik de algodón con reserva de cera impresa en bloque.
Obsequio de la Sra. Calvert Ellis, 1986.
Las mujeres indonesias perfeccionaron este arte del teñido por reserva—llamado batik— a lo largo de los siglos. Para crear los elaborados patrones que se ven aquí, la artesana añadió los diseños utilizando bloques de cobre y cera caliente. Estas áreas enceradas permanecían blancas al teñir la tela, creando un contraste impactante. En telas multicolores como esta, el proceso se repetía para cada color.
Los batiks tradicionales suelen presentar aves, flores, mariposas, y bordes geométricos. Este sarong combina estos motivos en un nuevo arreglo floral, un estilo llamado buketan, popular en los mercados europeos entre 1900 y 1930.
Bertram Hartman
Estadounidense, 1882-1960
El Cazador, ca. 1924
Acuarela
Compra: Obsequio de John y Fannie Saeger, 2003.
Esta acuarela se inspiró en los batiks indonesios—telas teñidas por reserva—que el artista descubrió en Nueva York en la década de 1910. Hartman se enamoró de la complejidad de los batiks y anhelaba emular sus bordes afilados y motivos estilizados, como se aprecia en el batik expuesto a la izquierda. Diseñó tapices de batik y alfombras de lana perforada basados en sus acuarelas con la esperanza de revivir el interés estadounidense por los textiles tradicionales indonesios.
David Smith
Estadounidense, 1906–1965
Sin título, ca. 1933
Óleo sobre lienzo
Compra: Fondo fiduciario Leigh Schadt y Edwin Schadt del Museo de arte, 1998. (1998.8)
Esta pintura abstracta se inspiró en un viaje a las Islas Vírgenes entre 1931 y 1932. Smith se sintió atraído por el singular bioma tropical de la zona e incorporó imágenes náuticas en sus obras durante este período. Elementos de coral, conchas, estrellas de mar, y percebes influyeron en las formas, colores, y texturas que se aprecian aquí. Aunque a primera vista esta pintura parece puramente abstracta, desde la distancia las líneas y los patrones se transforman en un paisaje rocoso o incluso en un mapa topográfico.
Richard Redd
Estadounidense, 1931–2017
Paisaje Elemental, 1975
Corte en linóleo, edición: 20
Imprenta: el artista
Obsequio de Karol Roberts Gnerlich, 1977.
En este paisaje, Richard Redd profundizó en la naturaleza mitológica de los elementos: fuego, agua, tierra, y aire. Para el artista, los cuatro elementos eran sustancias físicas y espirituales que creaban toda la materia en la tierra. Para capturar la vitalidad de estos elementos, creó formas orgánicas con una superficie marmórea que fluctúan a lo largo de los tres grabados para imitar roca estratificada, vegetación, canales volcánicos, y microorganismos.
Nancy Etcitty
Diné (Navajo)
Tejido, 1974
Tejido de tapiz de algodón y lana
Obsequio de Hampton C. Randolph, Sr., 1984.
Este tejido pictórico ofrece una vista panorámica de una comunidad Diné, con hogans (viviendas tradicionales Diné), rebaños, tractores agrícolas, y las mesetas naturales del sudoeste estadounidense. La composición plasma visual y espiritualmente el sentido de pertenencia y la profunda conexión del tejedor con la tierra.
En la cultura Diné, el tejido está intrínsecamente vinculado al parentesco, la cosmología. y Hózhó (belleza, equilibrio, y armonía). Según la leyenda Diné, la primera tejedora fue la Mujer Araña (Na’ashjeii Asdzáá), que tejió el cosmos y transmitió el conocimiento del tejido a los Diné. A lo largo de los siglos, las tejedoras Diné han honrado el proceso del tejido—desde el pastoreo de ovejas y la producción de lana hasta el diseño y el trabajo en el telar—como una forma de representar Hózhó y acercarse al paisaje local.
Angela Fraleigh
Estadounidense, nacida 1976
Y luego caminaremos justo hasta el sol, 2016
Óleo, acrílico, y marcador sobre lienzo
(2019.11)
El canon histórico-artístico suele retratar a las mujeres como figuras unidimensionales a las que desear, como víctimas de la violencia o como decoración pasiva de fondo. La artista de Allentown Angela Fraleigh rescata a estas mujeres de los márgenes de respetadas obras históricas, dándoles nueva vida en sus monumentales pinturas.
En And then we’ll walk right up to the sun, Fraleigh extrae figuras de dos cuadros del artista francés del siglo XIX Jean-Léon Gérôme, conocido por sus imágenes que afirmaban las fantasías occidentales sobre Oriente Próximo como lugar de sensualidad, violencia y sumisión. Mientras que Gérôme utilizaba a estas mujeres como modelos de sujetos blancos, Fraleigh las convierte en el centro de su composición. Su obra nos anima a explorar su capacidad de acción y su posible subversión: si los protagonistas blancos desaparecen de escena, ¿qué podrían hacer ellas?
Stephen Antonakos
Estadounidense, nacido Grecia, 1926–2013
Terreno #13, 2012
Pan de oro alemán de 22 quilates de doble profundidad Tyvek, arrugado
Stephen Antonakos
Estadounidense, nacido Grecia, 1926–2013
San Nicolás, 1989
Pan de oro sobre madera con neón
El pionero escultor de luz, Stephen Antonakos, comenzó su innovadora obra con el neón, que continuaría a lo largo de su carrera, a principios de la década de 1960. Las llamativas líneas de los tubos de neón de colores brillantes definieron el espacio en proyectos de arte público y la composición en pinturas sobre lienzos sin estirar. A principios de la década de 1980, cuando Antonakos comenzó a hacer pinturas sobre paneles, movió el neón detrás de la forma, de modo que lo que antes era una línea dura ahora se convirtió en un brillo suave, una masa casi tangible sobre la que flotaba el panel.
El San Nicolás de Antonakos recuerda sus primeros años en un pequeño pueblo de montaña en Grecia, donde pequeñas capillas atendían las necesidades religiosas de la gente en un ambiente silencioso a la luz de las velas. Parecido a un ícono bizantino en su formato de panel de madera, en el uso de pan de oro y brillo reflectante, el panel de neón evoca el potencial de lo espiritual en abstracto.
Iman Raad
Iraní, nacido 1979
Hasta que apenas vemos, 2019
Pátinas y serigrafía sobre cobre,
edición: 35
Imprenta: Pedro Barbeito and Jase Clark, Experimental Printmaking Institute, Easton, PA
Editorial: Experimental Printmaking Institute, Easton, PA
(2019.12)
Un pájaro reflejado prolifera como una falla digital en Hasta que apenas veamos, evocando tanto las pinturas de la naturaleza del sur de Asia del siglo XVII como la cultura visual mediada tecnológicamente del siglo XXI. Iman Raad ha explicado que estas obras “evolucionaron principalmente después de mi migración a los Estados Unidos. Viviendo una vida híbrida … he experimentado una comunicación tartamudeante con, y una comprensión destrozada de mi entorno y de mí mismo a los ojos de otros.”