Artista alguna vez conocida
Javano del Norte; Indonesia
Selendang (manta de hombro), ca. 1870–1920
Batik de seda con reserva de cera dibujada a mano
Obsequio de Jane Mitchell, 1986. (1986.32)
Las mujeres indonesias perfeccionaron esta técnica de teñido por reserva —llamada batik— a lo largo de los siglos. Para crear los elaborados diseños que se aprecian aquí, la artesana los dibujaba con pincel y cera caliente. Estas zonas enceradas permanecían blancas al teñir la tela, creando un contraste llamativo.
Esta manta de hombro presenta un diseño rítmico repleto de pájaros, monos, tigres, enredaderas, y maracuyá. El motivo del pájaro (lokcan) se inspiró en los fénix chinos, símbolos populares en el norte de Java y la vecina isla de Bali a finales del siglo XIX. El material de seda y la elegante decoración que se observa aquí simbolizaban el ocio y el estatus de quien la llevaba.
Nitza Tufiño
Estadounidense, nacida México, 1949
Pareja Taína, 1972
Acrílico, carboncillo, y poliuretano sobre masonita
El Museo del Barrio, Compra del Museo gracias al apoyo de George Aguirre, el Fondo nacional para las artes, Boricua College, la Fundación Reader’s Digest y contribuciones individuales.
Nitza Tufiño se inspiró en los grabados rupestres de los taínos, un pueblo indígena del Caribe, para los rasgos estilizados de esta pareja. El hombre luce un coquí verde, o rana, en el pecho, y su rostro evoca las representaciones taínas del dios del sol. El rostro de la mujer se inspira en el mismo vocabulario de diseño, pero se asemeja a una máscara de gas, quizás en alusión a la guerra de Vietnam.
Al igual que otros artistas de ascendencia puertorriqueña en la ciudad de Nueva York durante la década de 1970, Tufiño utilizó la imaginería taína para celebrar y empoderar a su comunidad. Se convirtió en una de las artistas líderes del Movimiento Nuyorican, un grupo que incluía poetas, músicos, y artistas que creaban obras sobre la experiencia puertorriqueña en Nueva York.
Glendalys Medina
Estadounidense, nacida 1979
Atabey, 2022-2023
Madera contrachapada, uñas, hilo, pintura de pizarra, tinta, pintura al óleo, y alambre
El Museo del Barrio, Cortesía de la Artista
“Los indígenas fueron los primeros artistas del grafiti.” – Glendalys Medina
El Atabey de Medina se inspira en los grabados rupestres de los taínos, un pueblo indígena que vivió en todo el Caribe. De esta manera, Medina sigue los pasos de una generación anterior de artistas nuyorican—como los creadores de las obras vecinas— que usaron la imaginería taína para ofrecer a los puertorriqueños de la diáspora un sentido de identidad y orgullo.
Medina crea una rica gama de alusiones con esta obra. Las redes de cuerdas y alambres sugieren los altavoces de un radiocasete, evocando la cultura hip-hop con la que la artista creció en el Bronx. Las uñas evocan figuras poderosas de África Central, mientras que el color dorado alude al deseo de los colonizadores españoles por el metal precioso, así como a sus descripciones de la tez taína “tocada por el sol”.
Wanda Maria Quiñones
Estadounidense
Sin título (Símbolos taínos), 1977
Batik de lino
El Museo del Barrio
Este textil se inspira en los petroglifos, o grabados rupestres, de los taínos, un pueblo indígena del Caribe. ¿Observa algún símbolo en este textil que también aparezca en las obras de la izquierda?
Ángel Suárez-Rosado
Estadounidense, nacido 1957
Cerca blanca, 2003
Objetos encontrados, madera, pintura
(2021.7a, b)
Nacido en Puerto Rico, con base en Easton, Angel Suarez-Rosado juega con las expectativas en su instalación Cerca blanca. Al acercarnos, vemos una cerca blanca que sugiere un ideal doméstico estadounidense sin complicaciones. Al pasar, nos encontramos con híbridos símbolos de violencia, dolor, y de gran poder espiritual.
Suarez-Rosado es practicante de la santería, una religión afrocubana que fusiona elementos de la fe yoruba de África Occidental con el catolicismo, y fue un medio para que los africanos esclavizados mantuvieran su identidad en las Américas. En su uso de objetos metálicos afilados, clavos, y herramientas, Cerca blanca reconoce a Ogún, el dios del hierro y la guerra en el panteón de las deidades yorubas. Los clavos martillados en la superficie de la cerca recuerdan a los nkisi, figuras de poder de África central cuyas figuras fueron el resultado tanto de creación por un escultor, como de uso por un sacerdote que usaba la figura para curar enfermedades, resolver disputas y castigar a los malhechores.
Silvia von Hagen
Estadounidense, activa Perú, 1928–2007
Largo – “Puru chuco”, 1978
Algodón estampado
Fabricado por Silvania Prints, Lima, Perú (1956–2004)
Transferido del Museo Americano de Historia Textil, 2017. (2017.6.31)
Silvia von Hagen, diseñadora y fundadora de Silvania Prints, se inspiró en el arte indígena peruano para crear este elaborado patrón. Basándose en la iconografía de los textiles, la arquitectura y la cerámica peruanas, buscó producir telas para vestidos que combinaran motivos tradicionales y estilizados con una estética moderna y audaz.
El nombre de esta tela, “Puru-chuco”, hace referencia a un sitio arqueológico en Perú que fue un centro político y económico del Imperio Inca entre 1438 y 1533.
Artista(s) alguna vez conocido(s)
Bushoong, Kuba; República Democrática del Congo
Ntshakishwepi (Falda ceremonial femenina), mediados del siglo XX
Fibra de palma de rafia, con aplicaciones y bordados
Compra: Fondo de dotación del Reverendo y la Sra. Van S. Merle Smith, Jr., 2003. (2003.6.2)
Para crear esta falda ceremonial, los hombres Bushoong procesaban la fibra de palma de rafia cruda y tejían paneles de tela sobre los que las mujeres bordaban y aplicaban diseños geométricos. Los patrones abstractos solían ser asimétricos e incluían hexágonos, rombos, rectángulos, y triángulos entrelazados entre sí. Estas complejas composiciones de formas —diseños simbólicos transmitidos de generación en generación— indicaban la identidad y el estatus de quien la vestía dentro de la comunidad Bushoong.
Aunque aquí se muestra extendida, esta tela se habría usado envuelta alrededor de la cintura en espiral descendente, creando un movimiento aún más dinámico en este intrincado diseño.
Clyde Connell
Estadounidense, 1901–1998
Centinela de Bistineau n.° 1, 1992
Papel maché, piedra, madera, metal
Compra: Obsequio de John y Fannie Saeger, 1994. (1994.4)
En sus esculturas, Clyde Connell combinaba materiales encontrados en su casa en el lago Bistineau, Luisiana, con pulpa de papel y pegamento para crear un papel maché que representaba físicamente su entorno. Luego aplicaba esta pasta a una estructura de madera y piedra, transformándola en una imponente estructura totémica. Los símbolos de Connell en el anverso y el reverso de esta escultura representan su interpretación gestual de las imágenes y los sonidos de los pantanos. Su deseo era que su obra encarnara la esencia primordial de la tierra e que inspirara la reflexión sobre la interconexión de la humanidad con el planeta.
Keith Haring
Estadounidense, 1958–1990
Buda de Chocolate 3, 1989
Litografía, edición: 90
Imprenta: Arts-Litho, París, Francia
Editorial: Editions F. B., París, Francia
Yenna Hill
“No soy un principio. No soy un final. Soy un eslabón en una cadena”.
Keith Haring
Esta impresión pertenece a un portafolio inspirado en mandalas, imágenes geométricas devocionales utilizadas en el budismo y otras religiones, así como en pinturas aborígenes australianas. Aquí, Haring combina las composiciones laberínticas comunes en estas tradiciones ancestrales con sus figuras estilizadas para crear un diseño a la vez meditativo y audaz.
Haring deseaba que todos se sintieran libres de encontrar su propio significado en su arte. ¿Cómo interpretaría Ud. esta impresión?
Curlee Raven Holton
Estadounidense, nacido 1951
Portales orgánicos, 2005
Serigrafía, edición: 100
Imprenta: el artista
Editorial: Experimental Printmaking Institute, Lafayette College, Easton, PA
Obsequio del Sr. y la Sra. Arnold Kaplan, 2005. (2005.15)
En esta obra, Holton explora el color vibrante, la composición por capas, y la iconografía intercultural. La cruz de la derecha podría interpretarse fácilmente como un símbolo religioso de la Crucifixión de Cristo, pero este motivo puede tener significados alternativos en diferentes culturas. El artista considera este símbolo una intersección de trascendencia, una representación de una encrucijada donde uno puede transitar entre realidades.
Angela Fraleigh
Estadounidense, nacida 1976
Y luego caminaremos justo hasta el sol, 2016
Óleo, acrílico, y marcador sobre lienzo
(2019.11)
El canon histórico-artístico suele retratar a las mujeres como figuras unidimensionales a las que desear, como víctimas de la violencia o como decoración pasiva de fondo. La artista de Allentown Angela Fraleigh rescata a estas mujeres de los márgenes de respetadas obras históricas, dándoles nueva vida en sus monumentales pinturas.
En And then we’ll walk right up to the sun, Fraleigh extrae figuras de dos cuadros del artista francés del siglo XIX Jean-Léon Gérôme, conocido por sus imágenes que afirmaban las fantasías occidentales sobre Oriente Próximo como lugar de sensualidad, violencia y sumisión. Mientras que Gérôme utilizaba a estas mujeres como modelos de sujetos blancos, Fraleigh las convierte en el centro de su composición. Su obra nos anima a explorar su capacidad de acción y su posible subversión: si los protagonistas blancos desaparecen de escena, ¿qué podrían hacer ellas?
Stephen Antonakos
Estadounidense, nacido Grecia, 1926–2013
Terreno #13, 2012
Pan de oro alemán de 22 quilates de doble profundidad Tyvek, arrugado
Stephen Antonakos
Estadounidense, nacido Grecia, 1926–2013
San Nicolás, 1989
Pan de oro sobre madera con neón
El pionero escultor de luz, Stephen Antonakos, comenzó su innovadora obra con el neón, que continuaría a lo largo de su carrera, a principios de la década de 1960. Las llamativas líneas de los tubos de neón de colores brillantes definieron el espacio en proyectos de arte público y la composición en pinturas sobre lienzos sin estirar. A principios de la década de 1980, cuando Antonakos comenzó a hacer pinturas sobre paneles, movió el neón detrás de la forma, de modo que lo que antes era una línea dura ahora se convirtió en un brillo suave, una masa casi tangible sobre la que flotaba el panel.
El San Nicolás de Antonakos recuerda sus primeros años en un pequeño pueblo de montaña en Grecia, donde pequeñas capillas atendían las necesidades religiosas de la gente en un ambiente silencioso a la luz de las velas. Parecido a un ícono bizantino en su formato de panel de madera, en el uso de pan de oro y brillo reflectante, el panel de neón evoca el potencial de lo espiritual en abstracto.
Iman Raad
Iraní, nacido 1979
Hasta que apenas vemos, 2019
Pátinas y serigrafía sobre cobre,
edición: 35
Imprenta: Pedro Barbeito and Jase Clark, Experimental Printmaking Institute, Easton, PA
Editorial: Experimental Printmaking Institute, Easton, PA
(2019.12)
Un pájaro reflejado prolifera como una falla digital en Hasta que apenas veamos, evocando tanto las pinturas de la naturaleza del sur de Asia del siglo XVII como la cultura visual mediada tecnológicamente del siglo XXI. Iman Raad ha explicado que estas obras “evolucionaron principalmente después de mi migración a los Estados Unidos. Viviendo una vida híbrida … he experimentado una comunicación tartamudeante con, y una comprensión destrozada de mi entorno y de mí mismo a los ojos de otros.”