Ilse Getz
Estadounidense, nacida Alemania, 1917–1992
N.Y. VII, 1972
Acrílico sobre lienzo
Aliza Nisenbaum
Estadounidense, nacida en México, 1977
15 Minutos para el comienzo, Soprano Angel Blue (MET Traviata), 2023
Óleo sobre lino
Esta pintura es Uno de los tres retratos de divas que Aliza Nisenbaum creó de las sopranos en la interpretación de La Traviata de la Ópera Metropolitana en 2023. En este proyecto, se interesó en las estrellas detrás de la glamorosa producción de ópera. Aquí, una de las intérpretes principales, Angel Blue, está de pie en su camerino junto a su partitura y piano, con todo el maquillaje y el vestuario puestos. El uso que hace Nisenbaum de oro y plata brillantes, colores pastel y patrones decorativos crea una atmósfera de cuento de hadas, enfatizando la calidad mágica de la producción escénica. Su énfasis en Blue detrás de escena subraya el trabajo creativo que a menudo pasa desapercibido en el teatro y la ópera.
George Segal
Estadounidense, 1924–2000
Chica en una silla, 1970
Yeso, madera y pintura de poliuretano, edición: 150
Editorial: Editions Alecto Ltd., Londres, Inglaterra
Rigo Peralta
Estadounidense, nacido República Dominicana, 1970
Doña Negra, 2016
Acrílico sobre lino
(2019.7)
Este retrato de la abuela del artista le da la vuelta a la formalidad esperada del formato y le da una vibrante vida a su modelo. Analuisa Torres-Peralta era conocida cariñosamente como La Negra por su piel oscura. En esta pintura, Doña Negra—a los 94 años—fuma un cigarro Exactus Maduro, hecho en la República Dominicana, donde nacieron tanto ella como su nieto. El cigarro recuerda la larga historia del cultivo del tabaco en la República Dominicana. Sugiere el papel del país en la economía global y hace referencia al pueblo Indígena Taino que cultivaba tabaco en las islas del Caribe. El retrato también evoca recuerdos afectuosos e importantes para el artista de Allentown, quien ha dicho: “Poder fumar un cigarro dominicano con mi abuela representaba un ritual casi sagrado.”
Nelson Shanks
Estadounidense, 1937–2015
Nancy, 1974
Óleo sobre lienzo
(1975.147)
Nelson Shanks, fundador de una escuela de arte realista en Filadelfia, es conocido por sus retratos presidenciales, incluidos Ronald Reagan y Bill Clinton, y sus retratos de mujeres influyentes, como las primeras cuatro juezas de la Corte Suprema de los Estados Unidos. Aquí Shanks le da seriedad a una representación más personal de una mujer individual.
Chris Martin
Estadounidense, nacido en 1954
Como a siete pulgadas del sol del mediodía, 2013
Óleo sobre lienzo
Keith Haring
Estadounidense, 1958–1990
Buda de chocolate 2, 1989
Litografía, edición: 90
“No soy un principio. No soy un fin. Soy un eslabón de una cadena”. – Keith Haring
Esta impresión proviene de un portafolio inspirado en los mandalas, imágenes geométricas devocionales utilizadas en el budismo y otras religiones. En este caso, Haring toma del formato simétrico del mandala, pero llena su composición con sus características figuras de estilo caricaturesco. Sus extremidades se entrelazan, formando patrones abstractos y un corazón central.
Haring quería que todos se sintieran bienvenidos a encontrar su propio significado en su arte. ¿Cómo interpretaría Ud. esta impresión?
Mary Bauermeister
Alemana, 1934–2023, activo en los Estado Unidos 1962–1972
Sanación esotérica, 1973
Litografía, edición: 250
En esta litografía, Mary Bauermeister combinó poesía visual con ritmo musical para investigar las conexiones entre la espiritualidad, la meditación, y el universo. El texto de la litografía no presenta una narrativa coherente; es, en cambio, un “mapa mental” de las reflexiones de la artista sobre la biología, la astronomía, y la filosofía. Bauermeister esperaba que, al escribir sobre estos temas, podría entrar en un estado meditativo y descubrir conocimientos ocultos sobre el mundo.
En contraste con su ensamblaje de piedras (en la pared detrás de usted), que acoge el orden y la estructura, esta litografía juega con la improvisación y el caos mientras la artista contempla el cosmos.
Danielle Riede
Estadounidense, nacida en 1976
Amor en naranja, 2022
Óleo con yeso texturizado sobre lienzo
Riede aporta a su pintura su experiencia como bailarina de toda la vida, traduciendo el movimiento en gesto en sus lienzos abstractos. Partiendo de un movimiento intuitivo sobre el lienzo, como el arco de un brazo, registra ese mismo movimiento en la pintura. También se inspira en el movimiento de la naturaleza: la lava fluyendo, las olas del océano ondulando, los rayos del sol filtrándose.
Riede ha desarrollado una técnica especial para crear textura en obras como esta, aplicando capas de gesso hecho de carbonato de calcio, un material presente en cáscaras de huevo, piedra caliza, y tiza, que se comporta de forma similar al yeso. El resultado sugiere el movimiento de las mareas bajo la superficie.
Ricardo Viera
Estadounidense, nacido Cuba, 1945–2020
Islas A II, 1973–74
Litografía coloreada a mano
Imprenta: el artista
Aunque Ricardo Viera emigró a Estados Unidos en 1962, su identidad cubana siempre fue central en su obra. En las décadas de 1970 y 1980, Viera produjo varias impresiones sobre islas abstractas como la que se muestra aquí. Estas audaces salpicaduras de color, impuestas sobre una cuadrícula, evocan mapas geográficos de Cuba. La energía errática de las líneas podría representar el turbulento desplazamiento del artista de su hogar.
Sam Gilliam
Estadounidense, 1933–2022
Elemento, 2008
Acrílico sobre abedul
(2018.8)
Sam Gilliam surgió del ambiente de Washington, D.C. a mediados de la década de 1960 para convertirse en uno de los grandes innovadores de la pintura abstracta. Esta pintura es parte de un grupo de obras que Gilliam llamó “sorpresas construidas.” Hizo estas pinturas vertiendo y mezclando pintura sobre triplay de madera de abedul, luego cortando las tablas y volviendo a ensamblarlas. Este proceso está relacionado con el método de pintura revolucionario que Gilliam desarrolló a fines de la década de 1960 con sus llamadas pinturas Drape (cortina), que consistían en verter pintura sobre un lienzo sin estirar y luego colgar el lienzo como una obra de arte tridimensional.
Robert Motherwell
Estadounidense, 1915–1991
Muro con graffiti, 1950
Óleo y carboncillo sobre lino
Purchase: Gift of Estelle Reninger and (1994.24)
Robert Motherwell comenzó sus pinturas con algo que él llamó dibujo automático— marcas al azar sobre el lienzo destinadas a capturar el subconsciente. Pintó Muro con grafiti cuando completaba un mural en una sinagoga en Millburn, Nueva Jersey. Aunque esta pintura es abstracta, algunos elementos sugieren referencias al Antiguo Testamento: por ejemplo, la larga pincelada blanca a la izquierda, cubierta con marcas negras horizontales, recuerda la Escalera de Jacob, que se extiende desde la tierra hasta el cielo, y la Diáspora está indicada por un garabateado dibujo lineal que sugiere los caminos errantes de las tribus dispersas.
Gunther Gerzso
Mexicano, 1913–2000
Geminis, 1961
Óleo sobre masonita
(2017.25.1)
Gunther Gerzso describió sus pinturas abstractas como “paisajes del espíritu.” Si bien se inspiró en los modernistas europeos con los que trabajó al principio de su carrera, para la década de 1960 había centrado su atención en el poder que vio en el terreno mexicano y el pasado precolombino. Aquí, su cuidadosa pincelada crea capas de formas en tonos tierra y sugiere profundidades ocultas.
Alteronce Gumby
Estadounidense, nacido 1985
Libertad conocida solo por ellos en susurros y cuentos, 2022
Piedras preciosas, willemita, calcita, vidrio, y acrílico sobre panel
Para esta obra, Alteronce Gumby juntó vidrio, minerales, y otros materiales poco convencionales en arreglos tipo mosaico para evocar distantes galaxias arremolinadas y nebulosas, un guiño a la fascinación de toda la vida del artista por el cosmos y sus infinitas posibilidades. Los minerales utilizados aquí— willemita verde y calcita roja—son fluorescentes y brillan cuando se exponen a los rayos ultravioleta (UV).
Al ser observables solo bajo luz ultravioleta—y de otro modo indetectables para el ojo humano—estos minerales fluorescentes también se convierten en una metáfora adecuada para la práctica más amplia de Gumby, que aborda cuestiones de visibilidad e invisibilidad, y tiene como objetivo desafiar nuestras suposiciones sobre el color invitándonos a pensar más expansivamente sobre él.
Kota Ezawa
Alemán, activo Estados Unidos, nacido 1969
El veredicto de Simpson, 2002
Vídeo monocanal, 2 minutos y 50 segundos
El crimen del arte (edición Hollywood), 2017
Vídeo monocanal, 2 minutos y 32 segundos
A Kota Ezawa se lo conoce por reelaborar imágenes de la cultura popular, el cine, y la historia del arte en animaciones digitales. Mediante un laborioso proceso de dibujo digital a mano de cada fotograma de su material original, Ezawa transforma sus sujetos en animaciones planas y estilizadas que resultan a la vez familiares y extrañamente distantes. Al destilar formas y contenidos hasta su esencia visual básica, el artista invita a la reflexión sobre cómo las imágenes moldean nuestra comprensión de eventos complejos y enmarcan narrativas culturales, incitándonos a considerar cómo se construye, se consume, y se recuerda la historia.
El veredicto de Simpson, de Ezawa, reimagina uno de los momentos más infames de la historia legal y mediática estadounidense: la absolución de O.J. Simpson en 1995. Ezawa transforma las imágenes televisadas del juicio por asesinato de Simpson en una estética simplificada, casi caricaturesca, destilando reacciones cargadas de emoción en una coreografía aplanada de movimientos y tics. En este vídeo, las figuras clave del juicio televisado —entre ellas Simpson, el abogado defensor Johnnie Cochran, y el juez Lance Ito— aparecen representadas con contornos marcados y colores apagados, con expresiones sutilmente exageradas pero inquietantemente distantes. Esta decisión estilística crea distancia emocional, animando a los espectadores a reflexionar sobre el juicio como espectáculo en lugar de revivir su drama.
Will Barnet
Estadounidense, 1911–2012
Día claro, 1956
Óleo sobre lienzo
(1975.26)
En este paisaje que representa a Provincetown, Massachusetts, Barnet crea tensión entre formas planas y coloridas y un fondo blanco. Este estilo abstracto—llamado pintura espacial India—utiliza la estética indígena para reimaginar el cubismo europeo. Los artistas blancos que lideraban este movimiento creían que inspirarse en el arte nativo los diferenciaría de los artistas europeos: Barnet describió la pintura espacial india como “arte estadounidense real.” ¿Está Ud. de acuerdo? ¿Qué cree que hace que una obra de arte sea americana?
Maya
Hecho en Tecpán, Guatemala
Huipiles, siglo XX
Tejido liso de algodón con trama suplementaria y ribete de terciopelo de algodón
Las coloridas bandas y el ribete de terciopelo de estos huipiles, o blusas para mujer, identifican a quien los usa como originarios de Tecpán, Guatemala. Históricamente, cada comunidad maya de Guatemala tenía tradiciones específicas de tejido y ornamentación para su vestimenta. Muchos mayas aún usan huipiles y otras prendas tradicionales, pero han adoptado un enfoque de diseño más flexible que combina motivos y técnicas de diversas tradiciones.
Richard Joseph Anuszkiewicz
Estadounidense, nacido 1930
Verde amarillo convergente, 1980
Acrílico sobre lienzo
(1983.58)
Las líneas de esta pintura parecen estar vibrando: esto se debe a que las rayas densas y el contraste de la pintura obligan a sus ojos a hacer pequeños movimientos constantes que enfocan y desenfocan diferentes áreas. Richard Anuszkiewicz fue uno de los fundadores del Op Art, un movimiento en el que los artistas creaban deliberadamente ilusiones ópticas en su obra. Muchas de sus pinturas usan colores intensos y formas anidadas para jugar con la percepción de los espectadores, creando un arte que se trata más de la experiencia de ver que de la pintura en sí.
Jesús Rafael Soto
Venezolano, 1923–2005
Múltiple II de Jai-Alai, 1969
Plexiglás, madera, metal, hilo de nailon, edición: 300
Cuando Ud. mira o camina alrededor de este múltiplo de Jai-Alai, la obra parece estar pulsando u ondulando. A Jesús Rafael Soto le fascinaba la idea del movimiento, que creía que era la próxima innovación del arte por explorar. Esta obra no solo tiene la apariencia de movimiento, sino que también anima a los espectadores a moverse por la galería para examinarla mejor. A Soto le gustaba usar la ilusión óptica con el objetivo de desviar la atención de la obra de arte en sí y dirigirla hacia conceptos como el movimiento y el tiempo.
Mary Bauermeister
Alemana, 1934-2023, activo en los Estados Unidos 1962–1972
Sin título, 1965
Piedritas de río sobre panel revestido de tela
(1991.20.1)
Bauermeister pegó rocas y guijarros de río en este panel y agregó comentarios que cuestionan la relación entre el arte y la naturaleza. En la esquina superior derecha, incluso etiqueta un grupo de rocas pintadas como “arte,” llamando la atención sobre cómo esta obra desdibuja las líneas entre obra de arte y objeto encontrado. Sus notas nos invitan a entender su proceso, que se trata tanto de ideas como del producto terminado.
Louise Nevelson
Estadounidense, 1899–1987
Sombra de espejo XXIV, 1986
Madera
Louise Nevelson buscó la madera para sus esculturas en las calles y muelles de carga de la ciudad de Nueva York. Con atención al patrón, el espacio, y el equilibrio, miró más allá de las funciones cotidianas de objetos como marcos de ventanas y pasamanos para usarlos como elementos estéticos. Su habilidad para transformar tales objetos en imponentes obras de arte la convirtió en una de las escultoras más importantes del siglo XX.
Carol Front
Estadounidense, nacida en 1940
Sin título de la serie Construcción de poder, 2000-2003
Impresión en gelatina de plata
Mildred T. Johnstone, con Pablo Burchard y Joseph Cantieni
Estadounidense, 1900–1988
Misterios Primitivos (o Buda en un Alto Horno), 1951
Tejido liso de lino con bordado de lana
En este bordado, Johnstone representa a un Buda sereno sentado sobre una acería en llamas. Esta inusual yuxtaposición refleja su interés por la espiritualidad oriental, así como sus experiencias en la visita a Bethlehem Steel.
Presenciar el proceso de fabricación del acero tuvo un profundo impacto en Johnstone. Interpretó la transformación del metal como una metáfora de dejarse moldear por las fuerzas de la vida, en lugar de resistirse al cambio—una interpretación que se asemeja al principio budista del desapego.
Aunque el título de Johnstone para esta obra perpetúa la idea dañina de que las culturas no occidentales son “primitivas”, su interés por el budismo zen era sincero: se convirtió en un elemento clave de su práctica espiritual y artística para la década de 1970.
Lewis William Rubenstein
Estadounidense, 1908–2003
La Fundición, ca. 1940
Litografía
Stevan Dohanos
Estadounidense, 1907–1994
Suelo del Horno, 1933
Xilografía, edición: 50
Franz Kline
Estadounidense, 1910–1962
Lehighton, 1945
Óleo sobre lienzo
(2016.12)
Harry Bertoia
Estadounidense, 1915–1978
Sin título, ca. década de 1940
Monotipo
Harry Bertoia realizó monotipos al menos una vez por semana a lo largo de su carrera. Muchas de sus impresiones exploran ideas sobre el espacio y la forma relacionadas con sus esculturas.
Bertoia tenía que ser lento y cuidadoso al hacer sus esculturas de metal, pero podía trabajar con rapidez y espontaneidad con sus impresiones. Explicó: “Hacer uno, luego el otro, es refrescante y estimulante, y un medio puede hacer lo que el otro no pudo. Sin embargo, a veces se fusionan en una sola imagen.”
Harry Bertoia
Estadounidense, 1915–1978
Tonal, ca. 1969
Cobre y latón
Stanley William Hayter
Inglés, 1901–1988
Rideau (Cortina), 1976–1977
Grabado, aguafuerte, y aguafuerte de base blanda, edición: 75
Rideau (Cortina) (variante a color), 1976–1977
Grabado, aguafuerte, y aguafuerte de base blanda, edición: 30
Fastnet, 1985
Grabado, aguafuerte de base blanda, y buril, edición: 50
La Pendu, 1983
Grabado, aguafuerte de base blanda y buril, edición: 50
Nadador de Interior, 1981
Grabado y aguafuerte de base blanda, edición: 50
Imprenta: Hector Saunier Atelier 17, París, Francia
Elsie Driggs
Estadounidense, 1898–1992
Bueyes, 1926
Óleo sobre lienzo
(1998.18)
Elsie Driggs a menudo se asocia con los precisionistas, un grupo de artistas estadounidenses que en la década de 1920 describieron la industrialización y la modernización que tenían lugar en un paisaje estadounidense que cambiaba rápidamente utilizando líneas precisas y formas geométricas nítidas. Aquí, sin embargo, Driggs encuentra la belleza formal en dos bueyes, deleitándose en las formas rítmicamente ondulantes de los animales y las montañas circundantes.
Daniel Garber
Estadounidense, 1880–1958
Primavera, Tohickon, 1936
Óleo sobre lienzo
Julius Thiengen Bloch
Estadounidense, 1888–1966
Marinero descansando, principios-mediados del siglo XX
Litografía, edición: 30
Milton Avery
Estadounidense, 1893–1965
Isla Coney, 1933
Óleo sobre lienzo
(1994.20)
Esta pintura de Milton Avery—uno de los artistas estadounidenses más influyentes del siglo XX—representa la convergencia de dos grandes tendencias en el arte de la década de 1930: el realismo social y el modernismo. El primero es evidente en la representación de Avery de una escena ordinaria en Coney Island, una playa popular en ese momento entre los neoyorquinos de clase obrera que buscaban escapar del calor del verano. El tratamiento modernista de Avery de su tema incluye la perspectiva inclinada de la pintura, las formas planas, y los múltiples puntos de enfoque.
George Bellows
Estadounidense, 1882–1925
Amanecer de la paz, 1918
Óleo sobre lienzo
(1990.15)
Motivado por una respuesta patriótica a las supuestas atrocidades alemanas durante la Primera Guerra Mundial, George Bellows dedicó más de ocho meses a esta pintura. Pertenece a una serie de más de cincuenta obras relacionadas que creó sobre temas de guerra. Bellows probablemente encontró inspiración para Amanecer de la paz en idealizadas ilustraciones populares de enfermeras de la Cruz Roja―las nuevas heroínas de la época.
Gifford Reynolds Beal
Estadounidense, 1879–1956
Ocultando la Campana de la Libertad en Allentown, Pensilvania, 1938
Óleo sobre masonita
(2006.9)
Kerr Eby
Estadounidense, nacido Japón, 1889–1946
Extremo izquierdo: Al aire libre, 1927
Grabado al aguafuerte y lijado, edición: 90
Izquierda: Los cajones rodando, 1929
Grabado al aguafuerte, edición: 90
Imprenta: el artista
Kerr Eby sirvió en Francia durante la Primera guerra mundial, haciendo bocetos en su tiempo libre. A su regreso a casa, tradujo sus dibujos y recuerdos en impactantes grabados, como estos dos que ilustran a soldados cansados en movimiento. La obra de Eby se centró en capturar la realidad de un conflicto aún presente en la memoria reciente—a diferencia de la pintura de 1938 de la izquierda, que ofrece una representación brillante y heroica de una escena de la Guerra de Independencia.
Mabel Dwight
Estadounidense, 1876–1955
Saludos desde la Casa de Weyhe, 1928
Litografía, edición: 2000
Imprenta: George C. Miller, Nueva York, NY
Editorial: Galería Weyhe, Nueva York, NY
La Galería Weyhe abrió sus puertas en la Avenida Lexington de la ciudad de Nueva York en 1919 y fue un núcleo del arte durante las décadas de 1920 y 1930. La galería se especializaba en grabados y dibujos, y enviaba cada año una tarjeta navideña diseñada por uno de los artistas que representaban. Las escenas abarcaban desde lo tradicional y estacional hasta lo modernista, y a menudo mostraban la distintiva fachada de la galería. La litografía de Mabel Dwight muestra el interior, con el fundador de la galería, Erhard Weyhe, el curador Carl Zigrosser, y la artista Wanda Gág.
James Henry Daugherty
Estadounidense, 1889–1974
Huida a Egipto, ca. 1920
Óleo sobre lienzo
James Daugherty creía que a través de la abstracción podía comunicar sentimientos espirituales. En este cuadro interpretó la historia cristiana de la Huida a Egipto, cuando la Sagrada Familia escapó para salvar la vida de su Hijo, el niño Jesús. A través del prisma de las pinceladas de Daugherty, busque la figura central de la Virgen María con un manto azul. Ella monta un burro gris, visible en la mitad inferior de la pintura.
Robert Henri
Estadounidense, 1865–1929
Isolina Maldonado—Bailarina española, 1921
Óleo sobre lienzo
(1996.27)
William Zorach
Estadounidense, 1887–1966
Acarreando el dique—Provincetown, 1916
Óleo sobre lienzo
Harold Weston
Estadounidense, 1894–1972
Invierno gigante, 1922
Óleo sobre lienzo
(1987.8)
Compañía de fabricación Whiting
Nueva York, NY, 1866–1924
Azucarero, cafetera, lechera, ca. 1880
Plata esterlina, cobre, y marfil
(2003.7.1-4)
Los arreglos asimétricos de flores e insectos en este servicio de café, así como el uso de metales mixtos (como en el jarrón japonés que se muestra aquí), demuestran la influencia del arte japonés en los diseñadores de plata estadounidenses en las décadas de 1870 y 1880.
Empresa Nogawa
Japonés, 1825 a fecha desconocida
Jarrón con motivo de rama de árbol, período Meiji (1868–1912)
Incrustaciones de metal mixto
(1967.177.1)
Estadounidense
Paño salpicadero, finales del siglo XIX
Algodón con bordados de algodón
Además de colchas como la que se ve detrás de Ud., las mujeres también usaban bordados de contorno para decorar otros textiles del hogar. Este paño salpicadero habría estado colgado en la pared detrás de un lavabo o un lavamanos, y presenta una escena de lluvia temáticamente apropiada.
Louis Comfort Tiffany
Estadounidense, 1848–1933
Tiffany & Company, fabricante
Nueva York, NY, 1837–presente
Albert A. Southwick, diseñador
Jarrón de presentación con tapa, ca. 1915
Plata esterlina con decoración de esmalte de porcelana de Limoges
(1985.25a, b)
Louis Comfort Tiffany fue hijo de Charles Lewis Tiffany, el famoso joyero y fundador de Tiffany & Company. Comenzó su carrera como pintor, convirtiéndose en el diseñador jefe de la firma tras la muerte de su padre en 1902. Este jarrón reproduce, en esmalte, dos cuadros de Louis Comfort Tiffany que representan a las diosas romanas Flora y Ceres, y sus séquitos. El esmalte se aplicó en una capa fina, lo que permitió que se viera el boceto grabado.
Tiffany & Company había participado en todas las ferias mundiales desde la Exposición de París de 1855 y, por lo tanto, se ganó una reputación internacional. Esta urna fue creada como pieza de demostración para la Exposición Panamá-Pacífico de San Francisco. Muestra la calidad y la suntuosidad de los productos de Tiffany para persuadir a los clientes a realizar pedidos. En 1922, fue presentada a Charles M. Schwab, presidente de Bethlehem Steel, con motivo de su sexagésimo cumpleaños.
Frank Lloyd Wright
Estadounidense, 1867–1959
Silla lateral, ca. 1903
Roble y cuero
(1997.6)
Frank Lloyd Wright diseñó esta silla para una casa que construyó para la familia Little en Peoria, Illinois. Cuando los Little se mudaron a Minnesota e hicieron que Wright les diseñara otra casa, trajeron algunos de los muebles con ellos. Esta silla puede, de hecho, haber sido utilizada en la biblioteca que ve a través de esta ventana, que es de la casa de los Little en Minnesota.
A diferencia de otros diseñadores progresistas de su época, Wright se inspiró en la producción mecánica. En esta silla rectilínea, hace un uso evidente de tableros lisos producidos a máquina. La simplicidad de su diseño resalta las hermosas formas de punta de flecha en la veta de la madera, que se pueden ver en el respaldo de la silla.
Atribuido a Allen y Brother
Filadelfia, PA, activo en 1835–1896
Escritorio del movimiento Estético, ca. 1875–1880
Cerezo americano, arce, y nogal; tejas de pizarra doradas y pintadas
(2005.26)
Este escritorio logra un aspecto “artístico” al evocar la laca japonesa—con una pequeña talla de inspiración gótica agregada por si acaso. Para imitar el pulido oscuro de la laca, el fabricante trató la madera del escritorio con acetato de hierro: esto creó una reacción química llamada ebonización que tiñó la madera de negro. Los paneles dorados del escritorio con escenas de la naturaleza hacen eco de las superficies decoradas de laca.
Los miembros del movimiento Estético valoraban los muebles bonitos porque creían que una casa atractiva mejoraría la vida cotidiana.
Estadounidense o Europea
Silla lateral, ca. 1880
Caoba con marquetería de nácar, metal, y madera (madera secundaria fresno)
(2004.16.2)
Miembro de la familia Woerner
Cuadrados bordados en rojo, principios del siglo XX
Algodón con bordados de algodón
Probablemente canadiense
Mameluco, finales del siglo XIX y principios del XX
Algodón con apliques y bordados en punto de tallo, punto de festón, y punto de látigo
Probablemente canadiense
Mameluco, finales del siglo XIX y principios del XX
Algodón con apliques y bordados en punto de tallo, punto de festón, y punto de látigo
Max Johannes, diseñador Estadounidense, nacido Alemania, 1856–1918
Obra en rojo de las cuatro estaciones, 1909
Algodón bordado y acolchado
Inscripción: “Dibujado por Max Johannes. 211 Locust St. Allentown, Pensilvania, 1909 d. C.”.
Max Johannes, residente de Allentown, creó el diseño único de esta colcha bordada, incluyendo con orgullo su nombre en el borde inferior. Una fuente de inspiración fue el letrero de jabón Ivory (imagen a continuación): ¿puede Ud. identificar cómo lo usó?
Este estilo de bordado de contorno fue muy popular a principios del siglo XX, pero el diseño a gran escala de Johannes es inusual. Normalmente, quienes confeccionaban colchas con esta técnica ensamblaban pequeños cuadrados bordados como los de la izquierda.
Emil Lukas
Estadounidense, nacido 1964
Expansor, 2020
Hilo sobre marco de aluminio y madera con yeso, pintura, y clavos
(2022.1)
Es posible que haya notado la “pintura de hilo” de Emil Lukas Expansor parece cambiar a medida que Ud. se acerca. Usando materiales simples para crear una pieza compleja, el artista envolvió hilos de varios colores de manera minuciosa alrededor de un marco, produciendo una profundidad y un aura ilusorios que engañan a la vista. Lukas, basado en Stockertown, Pensilvania, trabaja con improvisación, pero con intención. Cada decisión— la colocación de un solo hilo una fracción de pulgada de una forma u otra, el color de ese hilo, y las capas— contribuye al efecto general en la percepción del espectador.
Joan Snyder
Estadounidense, nacida 1940
Teatro Luna, 1986
Óleo, acrílico, y lino sobre lienzo
(1989.42)
Teatro luna presenta no una luna sino una abundancia de veintiséis. Éstas están dispersas alrededor de una forma estilizada de árbol/crucifijo, un motivo recurrente en la obra de Snyder que simboliza la vida y la muerte. Las pinturas emocionales de Snyder desafiaron la naturaleza impersonal de los movimientos artísticos dirigidos por hombres como el minimalismo, y la convirtieron en una artista feminista influyente. Ella explicó: “Hacer arte es, para mí, practicar una religión. … Mi obra es mi orgullo, crea para mí un patrimonio. Es un lugar para luchar libremente en mi altar.”
Kay WalkingStick
Estadounidense, nacida 1935
Culpa a las montañas III, 1998
Óleo y hoja de latón sobre lienzo (panel izquierdo); óleo sobre lienzo (panel derecho)
En esta pintura, las sensuales curvas de la figura femenina complementan las escabrosas montañas. La serie Culpa a las montañas de Kay WalkingStick se inspiró en el final de una relación romántica durante un viaje a los Dolomitas, una cadena montañosa del norte de Italia.
Un componente importante de la identidad de WalkingStick, basada en Easton, es su herencia cherokee y escocesa-irlandesa. Le gusta crear dípticos—obras de arte con paneles separados que se unen—que, según ella, son “particularmente atractivos para aquellos de nosotros que somos birraciales.”