Ilse Getz
Estadounidense, nacida Alemania, 1917–1992
N.Y. VII, 1972
Acrílico sobre lienzo
Aliza Nisenbaum
Estadounidense, nacida en México, 1977
15 Minutos para el comienzo, Soprano Angel Blue (MET Traviata), 2023
Óleo sobre lino
Esta pintura es Uno de los tres retratos de divas que Aliza Nisenbaum creó de las sopranos en la interpretación de La Traviata de la Ópera Metropolitana en 2023. En este proyecto, se interesó en las estrellas detrás de la glamorosa producción de ópera. Aquí, una de las intérpretes principales, Angel Blue, está de pie en su camerino junto a su partitura y piano, con todo el maquillaje y el vestuario puestos. El uso que hace Nisenbaum de oro y plata brillantes, colores pastel y patrones decorativos crea una atmósfera de cuento de hadas, enfatizando la calidad mágica de la producción escénica. Su énfasis en Blue detrás de escena subraya el trabajo creativo que a menudo pasa desapercibido en el teatro y la ópera.
George Segal
Estadounidense, 1924–2000
Chica en una silla, 1970
Yeso, madera y pintura de poliuretano, edición: 150
Editorial: Editions Alecto Ltd., Londres, Inglaterra
Rigo Peralta
Estadounidense, nacido República Dominicana, 1970
Doña Negra, 2016
Acrílico sobre lino
(2019.7)
Este retrato de la abuela del artista le da la vuelta a la formalidad esperada del formato y le da una vibrante vida a su modelo. Analuisa Torres-Peralta era conocida cariñosamente como La Negra por su piel oscura. En esta pintura, Doña Negra—a los 94 años—fuma un cigarro Exactus Maduro, hecho en la República Dominicana, donde nacieron tanto ella como su nieto. El cigarro recuerda la larga historia del cultivo del tabaco en la República Dominicana. Sugiere el papel del país en la economía global y hace referencia al pueblo Indígena Taino que cultivaba tabaco en las islas del Caribe. El retrato también evoca recuerdos afectuosos e importantes para el artista de Allentown, quien ha dicho: “Poder fumar un cigarro dominicano con mi abuela representaba un ritual casi sagrado.”
Nelson Shanks
Estadounidense, 1937–2015
Nancy, 1974
Óleo sobre lienzo
(1975.147)
Nelson Shanks, fundador de una escuela de arte realista en Filadelfia, es conocido por sus retratos presidenciales, incluidos Ronald Reagan y Bill Clinton, y sus retratos de mujeres influyentes, como las primeras cuatro juezas de la Corte Suprema de los Estados Unidos. Aquí Shanks le da seriedad a una representación más personal de una mujer individual.
Chris Martin
Estadounidense, nacido en 1954
Como a siete pulgadas del sol del mediodía, 2013
Óleo sobre lienzo
Mola, décadas de 1970 y 1980
Algodón con apliques, apliques inversos, y bordado en punto cadeneta
Colección de Al y Eadie Shanker, 2019.
Las mujeres guna confeccionan estas vibrantes telas, llamadas molas, para usarlas como paneles delantero y
trasero de una blusa tradicional. Las guna han desarrollado un estilo artístico distintivo que prioriza los colores brillantes,
los estampados integrales, y la precisión en el corte y la costura.
En 1918, el gobierno panameño intentó someter a los gunas bajo su control y prohibió costumbres importantes
como el uso de molas. Los gunas se rebelaron y mantuvieron su soberanía, y hoy en día, las molas siguen siendo
una fuente clave de identidad y orgullo para las comunidades gunas.
Keith Haring
Estadounidense, 1958–1990
Buda de chocolate 2, 1989
Litografía, edición: 90
“No soy un principio. No soy un fin. Soy un eslabón de una cadena”. – Keith Haring
Esta impresión proviene de un portafolio inspirado en los mandalas, imágenes geométricas devocionales utilizadas en el budismo y otras religiones. En este caso, Haring toma del formato simétrico del mandala, pero llena su composición con sus características figuras de estilo caricaturesco. Sus extremidades se entrelazan, formando patrones abstractos y un corazón central.
Haring quería que todos se sintieran bienvenidos a encontrar su propio significado en su arte. ¿Cómo interpretaría Ud. esta impresión?
Danielle Riede
Estadounidense, nacida en 1976
Amor en naranja, 2022
Óleo con yeso texturizado sobre lienzo
Riede aporta a su pintura su experiencia como bailarina de toda la vida, traduciendo el movimiento en gesto en sus lienzos abstractos. Partiendo de un movimiento intuitivo sobre el lienzo, como el arco de un brazo, registra ese mismo movimiento en la pintura. También se inspira en el movimiento de la naturaleza: la lava fluyendo, las olas del océano ondulando, los rayos del sol filtrándose.
Riede ha desarrollado una técnica especial para crear textura en obras como esta, aplicando capas de gesso hecho de carbonato de calcio, un material presente en cáscaras de huevo, piedra caliza, y tiza, que se comporta de forma similar al yeso. El resultado sugiere el movimiento de las mareas bajo la superficie.
Corita Kent
Estadounidense, 1918–1986
Amar es esperar, 1972
Serigrafía, edición: 200
Imprenta y editorial: Harry Hambly, Santa Clara, CA
Compra: Obsequio de Paul K. Kania, 2021.
“Cuando leo algo muy emocionante, todavía tengo la sensación de que sería genial sacarlo del libro y ponerlo
en la pared, donde se vería con más frecuencia.” – Corita Kent
A lo largo de su carrera, Kent creó arte centrado en el texto. Esta obra extrae un pasaje del filósofo Gabriel Marcel,
que explora la relación entre nuestra identidad y nuestro amor por los demás.
Kent creó esta obra varios años después de dejar el Inmaculado Corazón de María, la comunidad católica donde
fue monja durante más de tres décadas. Si bien sus grabados se habían centrado previamente en encontrar lo
espiritual en lo cotidiano, sus obras posteriores, como esta, a menudo contemplaron temas seculares.
Sam Gilliam
Estadounidense, 1933–2022
Elemento, 2008
Acrílico sobre abedul
(2018.8)
Sam Gilliam surgió del ambiente de Washington, D.C. a mediados de la década de 1960 para convertirse en uno de los grandes innovadores de la pintura abstracta. Esta pintura es parte de un grupo de obras que Gilliam llamó “sorpresas construidas.” Hizo estas pinturas vertiendo y mezclando pintura sobre triplay de madera de abedul, luego cortando las tablas y volviendo a ensamblarlas. Este proceso está relacionado con el método de pintura revolucionario que Gilliam desarrolló a fines de la década de 1960 con sus llamadas pinturas Drape (cortina), que consistían en verter pintura sobre un lienzo sin estirar y luego colgar el lienzo como una obra de arte tridimensional.
Robert Motherwell
Estadounidense, 1915–1991
Muro con graffiti, 1950
Óleo y carboncillo sobre lino
Purchase: Gift of Estelle Reninger and (1994.24)
Robert Motherwell comenzó sus pinturas con algo que él llamó dibujo automático— marcas al azar sobre el lienzo destinadas a capturar el subconsciente. Pintó Muro con grafiti cuando completaba un mural en una sinagoga en Millburn, Nueva Jersey. Aunque esta pintura es abstracta, algunos elementos sugieren referencias al Antiguo Testamento: por ejemplo, la larga pincelada blanca a la izquierda, cubierta con marcas negras horizontales, recuerda la Escalera de Jacob, que se extiende desde la tierra hasta el cielo, y la Diáspora está indicada por un garabateado dibujo lineal que sugiere los caminos errantes de las tribus dispersas.
Gunther Gerzso
Mexicano, 1913–2000
Geminis, 1961
Óleo sobre masonita
(2017.25.1)
Gunther Gerzso describió sus pinturas abstractas como “paisajes del espíritu.” Si bien se inspiró en los modernistas europeos con los que trabajó al principio de su carrera, para la década de 1960 había centrado su atención en el poder que vio en el terreno mexicano y el pasado precolombino. Aquí, su cuidadosa pincelada crea capas de formas en tonos tierra y sugiere profundidades ocultas.
Alteronce Gumby
Estadounidense, nacido 1985
Libertad conocida solo por ellos en susurros y cuentos, 2022
Piedras preciosas, willemita, calcita, vidrio, y acrílico sobre panel
Para esta obra, Alteronce Gumby juntó vidrio, minerales, y otros materiales poco convencionales en arreglos tipo mosaico para evocar distantes galaxias arremolinadas y nebulosas, un guiño a la fascinación de toda la vida del artista por el cosmos y sus infinitas posibilidades. Los minerales utilizados aquí— willemita verde y calcita roja—son fluorescentes y brillan cuando se exponen a los rayos ultravioleta (UV).
Al ser observables solo bajo luz ultravioleta—y de otro modo indetectables para el ojo humano—estos minerales fluorescentes también se convierten en una metáfora adecuada para la práctica más amplia de Gumby, que aborda cuestiones de visibilidad e invisibilidad, y tiene como objetivo desafiar nuestras suposiciones sobre el color invitándonos a pensar más expansivamente sobre él.
Stanya Kahn
American, born 1968
No Go Backs, 2020
Will Barnet
Estadounidense, 1911–2012
Día claro, 1956
Óleo sobre lienzo
(1975.26)
En este paisaje que representa a Provincetown, Massachusetts, Barnet crea tensión entre formas planas y coloridas y un fondo blanco. Este estilo abstracto—llamado pintura espacial India—utiliza la estética indígena para reimaginar el cubismo europeo. Los artistas blancos que lideraban este movimiento creían que inspirarse en el arte nativo los diferenciaría de los artistas europeos: Barnet describió la pintura espacial india como “arte estadounidense real.” ¿Está Ud. de acuerdo? ¿Qué cree que hace que una obra de arte sea americana?
Extremo izquierdo:
Artista conocido como Maya
Huipil, siglo XX
Tejido liso de algodón y brocado con encaje y trenzado
Obsequio del Sr. y la Sra. Herman L. Finkelstein, 1985.
Izquierda cercana:
Artista conocido como Maya
Huipil, siglo XX
Tejido liso de algodón y brocado con ribete de terciopelo de algodón
Obsequio del Sr. y la Sra. Herman E. Finkelstein, 1984.
Históricamente, cada comunidad maya de Guatemala tenía tradiciones específicas de tejido y ornamentación
para su vestimenta. El huipil del extremo izquierdo organiza sus motivos animales en finos registros con una
sección de cheurón en el centro que indica que quien lo llevaba era de San Lucas Tolimán, Guatemala. El de la
izquierda cercana presenta elaborados motivos florales y cálices ceremoniales que lo identifican como originario de
Comalapa, Guatemala.
Muchos mayas aún usan huipiles y otras prendas tradicionales, pero han adoptado un enfoque de diseño más
flexible que combina motivos y técnicas de diversas tradiciones.
Richard Joseph Anuszkiewicz
Estadounidense, nacido 1930
Verde amarillo convergente, 1980
Acrílico sobre lienzo
(1983.58)
Las líneas de esta pintura parecen estar vibrando: esto se debe a que las rayas densas y el contraste de la pintura obligan a sus ojos a hacer pequeños movimientos constantes que enfocan y desenfocan diferentes áreas. Richard Anuszkiewicz fue uno de los fundadores del Op Art, un movimiento en el que los artistas creaban deliberadamente ilusiones ópticas en su obra. Muchas de sus pinturas usan colores intensos y formas anidadas para jugar con la percepción de los espectadores, creando un arte que se trata más de la experiencia de ver que de la pintura en sí.
Jesús Rafael Soto
Venezolano, 1923–2005
Múltiple II de Jai-Alai, 1969
Plexiglás, madera, metal, hilo de nailon, edición: 300
Cuando Ud. mira o camina alrededor de este múltiplo de Jai-Alai, la obra parece estar pulsando u ondulando. A Jesús Rafael Soto le fascinaba la idea del movimiento, que creía que era la próxima innovación del arte por explorar. Esta obra no solo tiene la apariencia de movimiento, sino que también anima a los espectadores a moverse por la galería para examinarla mejor. A Soto le gustaba usar la ilusión óptica con el objetivo de desviar la atención de la obra de arte en sí y dirigirla hacia conceptos como el movimiento y el tiempo.
Mary Bauermeister
Alemana, 1934-2023, activo en los Estados Unidos 1962–1972
Sin título, 1965
Piedritas de río sobre panel revestido de tela
(1991.20.1)
Bauermeister pegó rocas y guijarros de río en este panel y agregó comentarios que cuestionan la relación entre el arte y la naturaleza. En la esquina superior derecha, incluso etiqueta un grupo de rocas pintadas como “arte,” llamando la atención sobre cómo esta obra desdibuja las líneas entre obra de arte y objeto encontrado. Sus notas nos invitan a entender su proceso, que se trata tanto de ideas como del producto terminado.
Louise Nevelson
Estadounidense, 1899–1987
Sombra de espejo XXIV, 1986
Madera
Louise Nevelson buscó la madera para sus esculturas en las calles y muelles de carga de la ciudad de Nueva York. Con atención al patrón, el espacio, y el equilibrio, miró más allá de las funciones cotidianas de objetos como marcos de ventanas y pasamanos para usarlos como elementos estéticos. Su habilidad para transformar tales objetos en imponentes obras de arte la convirtió en una de las escultoras más importantes del siglo XX.
Lora Turner
Estadounidense, nacida 1821
Muestrario, 1830
Tejido liso de lino con bordados en punto de cruz de seda, cruz de brazo largo, pluma, arroz, y punto de ojo
Obsequio de la Sra. William P. Hacker, 1979.
Mildred Johnstone
Estadounidense, 1900–1988
Neere y Far, 1957
Bordado en punto de tienda de lana, nudo francés, y punto de tallo sobre lienzo
Colección de Margaret Thomas.
No hay nada cercano ni por buscarse
que con una aguja pueda moldearse y forjarse
Chimeneas, llamas y lingotes, hornos de coque, cucharones, y grúas,Vagones de metal caliente, escoria, chispas, vías y cadenas
En esta obra, Johnstone adapta el poema de 1640 “Elogio de la Aguja.” Si bien el poema original enumeraba ejemplos de flora y fauna que podían representarse mediante bordado, Johnstone los reemplaza con materiales y herramientas de la siderurgia. Cuando realizó esta obra, había pasado casi una década creando ingeniosos bordados inspirados en Bethlehem Steel.
Johnstone opta por presentar este texto reinventado en formato de muestrario, como el de la izquierda. Entre los siglos XVII y XIX, las colegialas confeccionaban estos muestrarios como ejercicio educativo. Johnstone juega con esta historia, afirmando su voz artística para reivindicar el bordado como una forma de expresión para la mujer moderna.
Harry Sternberg
Estadounidense, 1904-2001
Bosque de Llamas, 1939
Litografía
Imprenta: la artista
Compra: Fondo para grabados SOTA, 1995.
Harry Sternberg
Estadounidense, 1904-2001
Fogón Abierto, 1937
Litografía
Imprenta: la artista
Compra: Fondo para grabados SOTA, 1995.
Franz Kline
Estadounidense, 1910–1962
Lehighton, 1945
Óleo sobre lienzo
(2016.12)
Harry Bertoia
Estadounidense, 1915–1978
Extremo izquierdo:
Sin título, ca. década de 1940
Monotipia sobre papel de arroz
Izquierda próxima:
Sin título, ca. 1952–56
Monotipia sobre papel verjurado
Imprenta: el artista
Obsequio de Deborah S. Haight, 2001.
Compra: Fondo para grabados SOTA, 1992.
Harry Bertoia
Estadounidense, 1915–1978
Tonal, ca. 1969
Cobre y latón
Terry Haass
Francés, nacido Checoslovaquia, 1923–2016
De izquierda a derecha:
Lustres 1–5 (Reflejos 1–5), 1959
Grabados, edición: 50
Imprenta: la artista
Editorial: Atelier Lacourière et Frélaut, París, Francia
Obsequio de Paul K. Kania, 2022.
Terry Haass comenzó a trabajar en el Atelier 17 de Nueva York, bajo la dirección de Stanley William Hayter, en 1947, e incluso codirigió el taller de grabado en 1951, cuando Hayter regresó a París. Poco después, la propia Haass viajó a París para estudiar grabado a color, una técnica de impresión utilizada en las obras de la derecha.
En esta serie, combinó sus intereses en la astrofísica, la filosofía, y la arqueología para crear grabados inspirados en la luz, el tiempo, y la espiritualidad. Las líneas negras austeras y los colores encharcados de cada grabado transforman paisajes azotados por el viento en una abstracción casi pura. La persistente atmósfera sombría invita al espectador a reflexionar sobre la naturaleza del universo y su lugar en él.
Elsie Driggs
Estadounidense, 1898–1992
Bueyes, 1926
Óleo sobre lienzo
(1998.18)
Elsie Driggs a menudo se asocia con los precisionistas, un grupo de artistas estadounidenses que en la década de 1920 describieron la industrialización y la modernización que tenían lugar en un paisaje estadounidense que cambiaba rápidamente utilizando líneas precisas y formas geométricas nítidas. Aquí, sin embargo, Driggs encuentra la belleza formal en dos bueyes, deleitándose en las formas rítmicamente ondulantes de los animales y las montañas circundantes.
Daniel Garber
Estadounidense, 1880–1958
Primavera, Tohickon, 1936
Óleo sobre lienzo
Walter Emerson Baum
Estadounidense, 1884–1956
Sin título, Sin fecha
Óleo sobre lienzo
Obsequio de Stephen y Meg Barney, 2016.
Milton Avery
Estadounidense, 1893–1965
Isla Coney, 1933
Óleo sobre lienzo
(1994.20)
Esta pintura de Milton Avery—uno de los artistas estadounidenses más influyentes del siglo XX—representa la convergencia de dos grandes tendencias en el arte de la década de 1930: el realismo social y el modernismo. El primero es evidente en la representación de Avery de una escena ordinaria en Coney Island, una playa popular en ese momento entre los neoyorquinos de clase obrera que buscaban escapar del calor del verano. El tratamiento modernista de Avery de su tema incluye la perspectiva inclinada de la pintura, las formas planas, y los múltiples puntos de enfoque.
George Bellows
Estadounidense, 1882–1925
Amanecer de la paz, 1918
Óleo sobre lienzo
(1990.15)
Motivado por una respuesta patriótica a las supuestas atrocidades alemanas durante la Primera Guerra Mundial, George Bellows dedicó más de ocho meses a esta pintura. Pertenece a una serie de más de cincuenta obras relacionadas que creó sobre temas de guerra. Bellows probablemente encontró inspiración para Amanecer de la paz en idealizadas ilustraciones populares de enfermeras de la Cruz Roja―las nuevas heroínas de la época.
Gifford Reynolds Beal
Estadounidense, 1879–1956
Ocultando la Campana de la Libertad en Allentown, Pensilvania, 1938
Óleo sobre masonita
(2006.9)
Gifford Reynolds Beal
Estadounidense, 1879–1956
Izquierda extrema:: Escondiendo la Campana de la libertad en Allentown, Pensilvania, 1938
Óleo sobre masonita
Izquierda cercana: Estudio mural, Escondiendo la Campana de la libertad en Allentown, 1938
Óleo sobre tabla
Obsequio de la familia de Gifford Beal, 2006. Obsequio del patrimonio de Gifford Beal, 2007.
En la pintura de la izquierda extrema, Beal representa a soldados de caballería llevando la Campana de la Libertad a Allentown en septiembre de 1777. Esta campana fue una de las once evacuadas de Filadelfia ese año para evitar que los británicos la fundieran para convertirlas en munición. Beal imaginó un momento dramático, donde lugareños y soldados se esforzaron por levantar la pesada de la carreta. La esconderían en el sótano de la Iglesia Reformada de Sión en la calle Hamilton.
Beal pintó esta escena como estudio para uno de los diez murales de la Oficina de Correos de Allentown. Estos murales, que ilustran la historia local, fueron comisionados por la Administración de Progreso de Obras, una agencia federal que inició proyectos cívicos durante la Gran Depresión para generar empleo.
H.R. Mallinson & Company, Inc.
Nueva York, NY, 1915–1937
“Liberty Bell” tela para vestido, de la Serie del Bicentenario de George Washington, 1932
Crepe de seda estampado
Obsequio de Kate Fowler Merle Smith, 1978.
Esta tela combina símbolos de la Revolución Americana—círculos de estrellas, la Campana de la Libertad—con objetos cotidianos del pasado colonial, como sombreros de tres picos, platos, y velas. Esta combinación de motivos refleja la fascinación por la historia y la decoración colonial durante las primeras décadas del siglo XX. Conocido como el Renacimiento colonial, este movimiento expresaba tanto el orgullo nacional como la nostalgia por tiempos más sencillos.
Si bien difieren en estilo, las dos pinturas de la izquierda también ilustran este renovado interés por conmemorar el pasado.
Ella Sophonisba Hergesheimer
Estadounidense, 1873-1943
El Viejo Molino, Nantucket, ca. 1932
Xilografía a color con línea blanca, edición: 75
Imprenta: la artista
Compra: Mary M. Fuller por Exchange, 1992.
Ella Sophonisba Hergesheimer, nacida en Allentown, creó esta vibrante impresión utilizando la técnica de xilografía a color con línea blanca. Esta innovación de principios del siglo XX les permitió a los artistas imprimir múltiples colores a partir de una sola xilografía, un proceso que anteriormente requería un bloque para cada color. El método implicaba tallar contornos alrededor de áreas específicas de una composición y luego aplicar tintas al agua de diversos colores a cada sección antes de transferir la imagen al papel. Originando con los Impresores de Provincetown en Massachusetts, la técnica ofrecía simplicidad de ejecución y un resultado pictórico.
Robert Henri
Estadounidense, 1865–1929
Isolina Maldonado—Bailarina española, 1921
Óleo sobre lienzo
(1996.27)
James Henry Daugherty
Estadounidense, 1889–1974
Huida a Egipto, ca. 1920
Óleo sobre lienzo
James Daugherty creía que a través de la abstracción podía comunicar sentimientos espirituales. En este cuadro interpretó la historia cristiana de la Huida a Egipto, cuando la Sagrada Familia escapó para salvar la vida de su Hijo, el niño Jesús. A través del prisma de las pinceladas de Daugherty, busque la figura central de la Virgen María con un manto azul. Ella monta un burro gris, visible en la mitad inferior de la pintura.
William Zorach
Estadounidense, 1887–1966
Acarreando el dique—Provincetown, 1916
Óleo sobre lienzo
Harold Weston
Estadounidense, 1894–1972
Invierno gigante, 1922
Óleo sobre lienzo
(1987.8)
Compañía de fabricación Whiting
Nueva York, NY, 1866–1924
Azucarero, cafetera, lechera, ca. 1880
Plata esterlina, cobre, y marfil
(2003.7.1-4)
Los arreglos asimétricos de flores e insectos en este servicio de café, así como el uso de metales mixtos (como en el jarrón japonés que se muestra aquí), demuestran la influencia del arte japonés en los diseñadores de plata estadounidenses en las décadas de 1870 y 1880.
Empresa Nogawa
Japonés, 1825 a fecha desconocida
Jarrón con motivo de rama de árbol, período Meiji (1868–1912)
Incrustaciones de metal mixto
(1967.177.1)
Mariano Fortuny y Madrazo
Español, activo en Italia, 1871-1949
Longitud, ca. 1914
Terciopelo de seda, estampado en bloque, y estarcido
Obsequio de Kate Fowler Merle Smith, 1974.
Mariano Fortuny y Madrazo se consolidó como un diseñador textil consumado en Venecia desde 1906 hasta su muerte en 1949. Fortuny se inspiró en diversos estilos históricos, desde la Antigua Grecia, la Italia renacentista, Marruecos, India, España, y Turquía. Estas influencias se funden en este panel de terciopelo para crear enredaderas serpenteantes con hojas dentadas que evocan las flores estilizadas de las telas del Renacimiento veneciano y los arcos ojivales de la arquitectura islámica.
En lugar de tejer motivos en la propia tela, imprimió sobre la superficie con tinta dorada, utilizando métodos que había patentado. Sus inspiraciones medievales, pigmentos deslumbrantes, y técnicas secretas le dieron a Fortuny la reputación de mago de las telas, y sus prendas resultantes eran codiciadas por su calidad mística y etérea.
Louis Comfort Tiffany
Estadounidense, 1848–1933
Tiffany & Company, fabricante
Nueva York, NY, 1837–presente
Albert A. Southwick, diseñador
Jarrón de presentación con tapa, ca. 1915
Plata esterlina con decoración de esmalte de porcelana de Limoges
(1985.25a, b)
Louis Comfort Tiffany fue hijo de Charles Lewis Tiffany, el famoso joyero y fundador de Tiffany & Company. Comenzó su carrera como pintor, convirtiéndose en el diseñador jefe de la firma tras la muerte de su padre en 1902. Este jarrón reproduce, en esmalte, dos cuadros de Louis Comfort Tiffany que representan a las diosas romanas Flora y Ceres, y sus séquitos. El esmalte se aplicó en una capa fina, lo que permitió que se viera el boceto grabado.
Tiffany & Company había participado en todas las ferias mundiales desde la Exposición de París de 1855 y, por lo tanto, se ganó una reputación internacional. Esta urna fue creada como pieza de demostración para la Exposición Panamá-Pacífico de San Francisco. Muestra la calidad y la suntuosidad de los productos de Tiffany para persuadir a los clientes a realizar pedidos. En 1922, fue presentada a Charles M. Schwab, presidente de Bethlehem Steel, con motivo de su sexagésimo cumpleaños.
Frank Lloyd Wright
Estadounidense, 1867–1959
Silla lateral, ca. 1903
Roble y cuero
(1997.6)
Frank Lloyd Wright diseñó esta silla para una casa que construyó para la familia Little en Peoria, Illinois. Cuando los Little se mudaron a Minnesota e hicieron que Wright les diseñara otra casa, trajeron algunos de los muebles con ellos. Esta silla puede, de hecho, haber sido utilizada en la biblioteca que ve a través de esta ventana, que es de la casa de los Little en Minnesota.
A diferencia de otros diseñadores progresistas de su época, Wright se inspiró en la producción mecánica. En esta silla rectilínea, hace un uso evidente de tableros lisos producidos a máquina. La simplicidad de su diseño resalta las hermosas formas de punta de flecha en la veta de la madera, que se pueden ver en el respaldo de la silla.
Atribuido a Allen y Brother
Filadelfia, PA, activo en 1835–1896
Escritorio del movimiento Estético, ca. 1875–1880
Cerezo americano, arce, y nogal; tejas de pizarra doradas y pintadas
(2005.26)
Este escritorio logra un aspecto “artístico” al evocar la laca japonesa—con una pequeña talla de inspiración gótica agregada por si acaso. Para imitar el pulido oscuro de la laca, el fabricante trató la madera del escritorio con acetato de hierro: esto creó una reacción química llamada ebonización que tiñó la madera de negro. Los paneles dorados del escritorio con escenas de la naturaleza hacen eco de las superficies decoradas de laca.
Los miembros del movimiento Estético valoraban los muebles bonitos porque creían que una casa atractiva mejoraría la vida cotidiana.
Estadounidense o Europea
Silla lateral, ca. 1880
Caoba con marquetería de nácar, metal, y madera (madera secundaria fresno)
(2004.16.2)
Artista conocido anteriormente
Estadounidense
Vestido, ca. 1935
Chifón
Obsequio de la Colección Ellie Laubner, 2009.
Este vestido y la colcha contigua comparten un color distintivo: el verde Nilo. Este tono azul verdoso apagado fue desarrollado por las empresas estadounidenses de tintes durante la década de 1920 y se popularizó enormemente en la década de 1930.
La capacidad de estas empresas para producir nuevos y emocionantes colores como el verde Nilo surgió de la Ley de Comercio con el Enemigo de 1917. Bajo esta legislación de tiempos de guerra, Estados Unidos confiscó las patentes alemanas, lo que permitió a las empresas estadounidenses acceder a la tecnología de los principales proveedores de productos químicos del mundo. En menos de una década, las empresas estadounidenses de tintes dominaron el mercado.
Familia Sonday
Estadounidense
Labor de retazos, ca. décadas de 1930-1940
Algodón
Obsequio de Milton Sonday, 2007.
Emil Lukas
Estadounidense, nacido 1964
Expansor, 2020
Hilo sobre marco de aluminio y madera con yeso, pintura, y clavos
(2022.1)
Es posible que haya notado la “pintura de hilo” de Emil Lukas Expansor parece cambiar a medida que Ud. se acerca. Usando materiales simples para crear una pieza compleja, el artista envolvió hilos de varios colores de manera minuciosa alrededor de un marco, produciendo una profundidad y un aura ilusorios que engañan a la vista. Lukas, basado en Stockertown, Pensilvania, trabaja con improvisación, pero con intención. Cada decisión— la colocación de un solo hilo una fracción de pulgada de una forma u otra, el color de ese hilo, y las capas— contribuye al efecto general en la percepción del espectador.
Joan Snyder
Estadounidense, nacida 1940
Teatro Luna, 1986
Óleo, acrílico, y lino sobre lienzo
(1989.42)
Teatro luna presenta no una luna sino una abundancia de veintiséis. Éstas están dispersas alrededor de una forma estilizada de árbol/crucifijo, un motivo recurrente en la obra de Snyder que simboliza la vida y la muerte. Las pinturas emocionales de Snyder desafiaron la naturaleza impersonal de los movimientos artísticos dirigidos por hombres como el minimalismo, y la convirtieron en una artista feminista influyente. Ella explicó: “Hacer arte es, para mí, practicar una religión. … Mi obra es mi orgullo, crea para mí un patrimonio. Es un lugar para luchar libremente en mi altar.”
Kay WalkingStick
Estadounidense, nacida 1935
Culpa a las montañas III, 1998
Óleo y hoja de latón sobre lienzo (panel izquierdo); óleo sobre lienzo (panel derecho)
En esta pintura, las sensuales curvas de la figura femenina complementan las escabrosas montañas. La serie Culpa a las montañas de Kay WalkingStick se inspiró en el final de una relación romántica durante un viaje a los Dolomitas, una cadena montañosa del norte de Italia.
Un componente importante de la identidad de WalkingStick, basada en Easton, es su herencia cherokee y escocesa-irlandesa. Le gusta crear dípticos—obras de arte con paneles separados que se unen—que, según ella, son “particularmente atractivos para aquellos de nosotros que somos birraciales.”